Listado de Canciones

1) Zona de Promesas (Cerati- Sosa)

2) 11th Dimension (Julian Casablancas)

3) Empire State Of  Mind (JayZ feat. Alicia Keys)

4) Magnbificent (U2)

5) Deberias Saber Porque (Charly Garcia)

6) Bulletproof (La Roux)

7) Cornerstone (Arctic Monkeys)

El Camino Mas Largo (No te va a gustar)

9) Heavy Cross  Gossip)

10) No tiene Perdon (Andres Calamaro)

The Unforgiven III

Es una canción presente en el noveno disco de Metallica, Death Magnetic, lanzado el 12 de septiembre del 2008. Es una secuela del tema “The Unforgiven” (Metallica, 1991) y “The Unforgiven II” (ReLoad, 1997). A diferencia de las otra versiones de The Unforgiven, ésta empieza con un sonido de piano en la introducción de la canción y no con los clásicos violines, como en las versiones anteriores. Lo que lo diferencia de sus antecesores es que esta cancion no cuenta con las clasicas lineas de: “What I’ve felt, What I’ve Known”.

Es una canción con cambios de tiempo característicos, pero con una base de guitarra muy básica.

Este tema aun no ha sido tocado en vivo por la banda, a pesar de ser una de las favoritas de James Hetfield.

Se cree que The Unforgiven III será la última secuela del tema The Unforgiven.

Y también cabe mencionar que la canción fué nominada a un premio Grammy por mejor actuación de Hard Rock para los Grammys del 2010.

Biografía

La historia de Metallica comienza cuando cuatro desconocidos se unen para hacer música. Sus nombres son: Cliff Burton, Kirk Hammett, James Hetfield y Lars Ulrich.

Tras formar en distintas bandas con éxito desigual, a finales de 1981, y ya con el nombre definitivo de Metallica, James, Lars y Ron McGovney comienzan a trabajar en el proyecto. El primer gran avance lo dieron en 1982, cuando publican su primera demo de “Hit the lights” con Lloyd Grand haciendo el solo en la guitarra. Dos meses después la banda grabaría tres canciones más; una canción original de ellos “Hit the Lights” y otros dos temas, “Killing Time” y “Let It Louse”.

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Como poder explicar o como buscar una explicacion, esta es una de las pocas circunstancias en que un pais pierde algo en serio, en el que todos perdemos algo en serio, y es asi, que este hombre que con su voz ha hecho felices a muchisimas generaciones de personas a lo largo de toda america, hoy nos deja, hoy se va a ese paraiso que solo esta reservados para los grandes en serio. Querido Sandro, nos has hecho tan felices, que desde aqui abajo te deseamos que descanses en paz, gracias por darnos tanto

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Biografía

Sandro o Sandro de América —nombre artístico de Roberto Sánchez— es un destacado cantautor argentino de balada romántica, música rock & pop latina famoso en todo el continente. Nació el 19 de agosto de 1945 en Valentín Alsina (Lanús, Buenos Aires).

Es uno de los fundadores del rock en español. Publicó 52 álbumes originales y vendió 8 millones de copias, aunque hay fuentes que elevan hasta 22 millones. Algunos de sus éxitos son “Dame fuego”, “Rosa, Rosa”, “Quiero llenarme de ti”, “Ese es mi amigo el puma”, “Tengo”, “Trigal”, “Una muchacha y una guitarra”. Su tema “Rosa, Rosa” vendió en su país natal casi 2 millones de discos, siendo su obra más famosa. Su tema “Tengo” ha sido considerado el Nº 15 entre los 100 mejores temas de la historia del rock argentino, por la cadena MTV y la revista Rolling Stone. Realizó 16 películas. Fue el primer latino en cantar en el Madison Square Garden. En 2005 recibió el Grammy Latino a la Trayectoria. Nació, se crió y vivió siempre en los suburbios industriales del sur de la Ciudad de Buenos Aires. Su abuelo paterno pertenecía al pueblo Rom y Sandro recogió esa herencia asumiendo el sobrenombre de Gitano.

Nació el 19 de agosto de 1945 en la Maternidad Sardá, un hospital público ubicado en la Ciudad de Buenos Aires. Sin embargo sus padres vivían en Valentín Alsina (Lanús), un suburbio obrero en el cordón sur del Gran Buenos Aires, donde vivió su infancia y adolescencia. Con el tiempo compraría una casa ubicada en Banfield, también en el cordón industrial de Buenos Aires donde vive hasta el presente.

Es hijo único de Vicente Sánchez e Irma Nydia Ocampo, ambos provenientes de familias de antigua presencia en el país. Su abuelo paterno era húngaro, de apellido Popadópulos, quien al migrar hacia España lo cambió al de Rivadullas; a raíz de ello, muchos años después le pondrían el apodo de Gitano. Al momento de nacer sus padres quisieron ponerle el nombre Sandro, pero no lo permitieron los funcionarios del Registro Civil donde debían registrarlo.

Hizo sus estudios primarios en la Escuela N.º 3 República de Brasil, en la calle Valentín Alsina 3018, de Valentín Alsina. Su pasión por la música nació desde niño. Como muchos otros adolescentes y preadolescentes latinoamericanos, fue irresistiblemente atraído por Elvis Presley desde sus inicios en 1955-1957 a quien comenzó a imitar en el último año de la escuela primaria. Muchos años después vería el show de su ídolo desde la primera fila del Boston Garden. Su primera «actuación», que lo marcaría por el resto de su vida, fue el día de la independencia argentina, el 9 de julio de 1957, en el acto de su escuela, cuando su maestra de 6º grado lo invitó a realizar su conocida imitación de Elvis, llevándose los aplausos y la ovación del público asistente. Fue entonces que se despertó su vocación por la actuación musical.
A los 13 años abandonó sus recién iniciados estudios secundarios y comenzó a trabajar para ayudar a sus padres, de repartidor de una carnicería, changarín de una droguería y tornero. En sus tiempos libres se dedicó a la música. Sus primeros aprendizajes se los debe a un amigo que tocaba la guitarra, Enrique Irigoytía. Ambos formaron un dúo de voces y guitarras. Comenzaron a participar en concursos de canto en los suburbios del sur del Gran Buenos Aires, en los que Roberto hacia un cover del bolero del trío Los Panchos Quién será la que me quiera a mí de Johnny Albino. Inmediatamente lograron un gran reconocimiento y comenzaron a formar varios conjuntos. Del variado repertorio, Roberto se encargaba de cantar los boleros, valses peruanos, pasodobles, tangos y algo de rock and roll, mientras que Irigoytía cantaba las canciones mexicanas, litoraleñas y también rock. Algunos de los nombres de esas primeras bandas fueron El Trío Azul (Roberto Sánchez, Enrique Irigoytía y Agustín Mónaco) y el dúo Los Caribes (Roberto Sánchez y Enrique Irigoytía).

El propio Sandro reflexionaba años después sobre su inicio en la música:
Yo me nutrí con el rock. Gracias al rock dejé las calles, las navajas y las cadenas, y agarré una guitarra. Dejé la campera de cuero y las pandillas. El rock me salvó. Me salvó de que fuera quizás un delincuente.
A comienzos de la años sesenta, Roberto Sánchez adoptó el nombre artístico de Sandro, el nombre que le habían querido poner sus padres y las autoridades no permitieron. Su primera actuación con ese nombre fue en un local llamado Recreo Andrés.
Sandro y Los de Fuego: pionero del rock latino
Sandro y Los de Fuego, 1963. Fue uno de los primeros en comenzar a cantar las canciones de rock internacional en español

Sandro y Los de Fuego, 1963. Fue uno de los primeros en comenzar a cantar las canciones de rock internacional en español

En 1960 formó el grupo Los Caniches de Oklahoma y grabó su primer single, un rock en español de su autoría, Comiendo rosquitas calientes en el Puente Alsina, una de las candidatas a ser considerada la primera canción grabada de rock argentina.

Los integrantes del grupo eran:

* Héctor Centurión (voz y bajo),
* Carlos Ojeda (piano y percusión).
* Armando Cacho Quiroga (batería),
* Sandro (primera guitarra) y
* Miguel Lito Vázquez (guitarra rítmica).

En 1961 cambiaron de nombre por Los de Fuego. Al principio el cantante del grupo fue Centurión mientras que Sandro tocaba la guitarra y hacía coros. A fines de 1962 Centurión perdió la voz, siendo reemplazado por Sandro, quien poco a poco se dedicó exclusivamente a su rol de cantante líder. En 1963 comenzaron a llamarse Sandro y Los de Fuego, con la siguiente formación:

* Héctor Centurión (bajo),
* Enrique Irigoytía (guitarra rítmica)
* Armando Cacho Quiroga (batería) y
* Sandro (voz).
* Juan José Sandri (guitarra),

Por entonces el rock and roll ya estaba instalado en Argentina, desde al menos cinco años atrás. A los primeros ídolos del rock, como Elvis Presley, Little Richard y Bill Haley, se habían sumado artistas y bandas de rock latinas que cantaban en español, como Los Cinco Latinos y Luis Aguilé (en la Argentina), Ritchie Valens y La Bamba (en California), y Los Teen Tops, Los Blue Caps y Los Locos del Ritmo (en México) y decenas de otros. En esa década comenzaron a llegar también las bandas de la llamada invasión británica, entre las que se destacaban los Rolling Stones y sobre todo Los Beatles.

Los de Fuego comenzaron haciendo covers de los clásicos del rock anglosajón, pero en español: The Beatles, Elvis, los Rolling Stones, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, etc.

El 13 de septiembre de 1963 grabó su primer disco, un simple para CBS, pero sin Los de Fuego. En el lado A estaba un cover en español de ¿A esto le llamas amor? (de Paul Anka) y en el lado B Eres el demonio disfrazado (de Elvis). En ese disco la banda de soporte es la de Milo (nombre artístico de José Carlí) y su Conjunto. El disco no tuvo trascendencia.

Poco después publicó un segundo disco, un EP, con el título de Presentando a Sandro, que incluía Bésame pronto (Elvis) Choza de azúcar (de Jimmy Gilmer & The Fireballs), nuevamente ¿A esto le llamas amor? y el novedoso Polka Rock (de Alejandro Chamica).

El 28 de febrero de 1964 Sandro convenció a CBS y logró grabar el primer tema con Los de Fuego, una versión en español del famoso Hay mucha agitación (Whole Lotta Shakin’ Goin’ On de Jerry Lee Lewis). El tema fue lanzado en un EP llamado Al Calor de Sandro y los de Fuego, junto con Las noches largas (de Adriano Celentano), Twist de Mamá Gansa (de Teddy Randazzo) y el tradicional folk Viajero solitario.

A mediados de 1964 Sandro y Los de Fuego comenzaron a realizar una serie de actuaciones en la televisión de Argentina, en el programa Sábados Circulares de Pipo Mancera, que terminaron impulsándolo a la popularidad. Sandro se vestía y se movía «a lo Elvis» y esos movimientos escénicos levantaron todo tipo de polémica. Fue llamado entonces «el Elvis criollo» o «el Elvis latino». Terminaba su show después de saltar de un lado hacia el otro y tirándose por el suelo sobre sus rodillas. Sandro hacía que sus seguidores imitaran sus movimientos frenéticos, y sobre todo que sus seguidoras, gritaran, lloraran y se desmayaran.

Las presentaciones de Sandro provocaron la reacción de algunos influyentes grupos fundamentalistas católicos que lograron excluir a la banda de la televisión durante algunas semanas. Pero Mancera enfrentó la informal censura, amenazando con su renuncia, y la misma fue levantada. Aquellas presentaciones de Sandro y Los de Fuego en Sábados Circulares se encuentran registradas en blanco y negro, y han sido publicadas en varios videos y en la primera película en la que aparece, Convención de Vagabundos[7] de 1965, en un rol secundario.

A principios de 1965 apareció Sandro y los de Fuego, el primer álbum LP de Sandro, incluyendo versiones de Los Beatles (Te conseguiré, Anochecer de un día agitado), Jerry Lee Lewis (Hay mucha agitación), Buddy Holly (Peggy, Peggy), Elvis (En mi mente), etc.

El segundo álbum salió el mismo año, Al calor de Sandro y Los de Fuego, reiterando la línea de realizar covers de temas exitosos del rock anglosajón (La Casa del Sol Naciente, Boleto para pasear, Es una mujer, Perseguiré el sol).

Antes de finalizar 1965 se disolviéron Los de Fuego y Sandro formó una nueva banda soporte, The Black Combo (homenaje a Bill Black, bajista de Elvis). El grupo estuvo integrado por músicos provenientes del jazz, como Negro Orlando (guitarra), Adalberto Cevasco (bajo), Fernando Bermúdez (batería), Bernardo Baraj (saxo) y Miguel Abramic (percusión).

Al comenzar 1966 Sandro lanzó su tercer álbum, El sorprendente mundo de Sandro (1966), que incluye temas interpretados con distintas bandas: con Los de Fuego en las últimas grabaciones realizadas en 1965, con los Black Combo y con la orquesta de Oscar Cardozo Ocampo. En este álbum aparecieron las primeras canciones de Sandro con Oscar Anderle, como Sólo sin tí. Incluye también una versión notable de Melodía desencadenada (Unchained Melody de Alex North).

A fines de 1966 salió su cuarto álbum, Alma y fuego, en donde ya comienza a notarse un cambio de orientación musical hacia ritmos más latinos. Nuevamente lo acompañan Oscar Cardozo Ocampo y The Black Combo. El disco fue editado también en EE. UU. donde tuvo más éxito entre la comunidades latinas que el moderado que obtuvo en Argentina.[8] El álbum incluye Como caja de música de la dupla Sandro-Anderle, donde ya puede notarse claramente el peculiar estilo de balada romántica proveniente del rock, desarrollada por la dupla y que haría famoso a Sandro.[9]

A mediados de 1967 Sandro lanzó sú último álbum de la etapa rockera, Beat Latino. Ya en el título del álbum se nota la decisión de dirigirse musicalmente hacia una fusión de los nuevos ritmos provenientes del rock and roll con los nuevos ritmos y estilos latinos, especialmente la balada romántica, con el fin de desarrollar una música moderna y juvenil pero también de fuerte arraigo popular. El álbum tiene cinco temas con The Black Combo, tres con Oscar Cardozo Ocampo y cuatro con Jorge López Ruiz. Incluye un tema de Luis Aguilé (Miguel e Isabel) y el éxito Ave de paso de Sandro-Anderle, así como Con los ojos del recuerdo, de la misma dupla.

Con el dinero que comenzó a ganar con sus presentaciones y discos, Sandro alquiló en 1966 junto con otros rockeros argentinos, el local La Cueva, en Pueyrredón 1723, para formar un centro de reunión y difusión del rock argentino. La Cueva contrató a Litto Nebbia y Los Gatos como banda permanente del local, banda que poco después (1967) grabaría el tema La Balsa, dando origen a lo que ha dado en llamarse «rock nacional» argentino.

En la segunda mitad de la década Sandro cambió la chaqueta de cuero por el smoking y la corbata, los jeans por los pantalones acampanados, pero conservando el pelo largo revuelto y la patillas largas y los movimientos convulsivos a lo Elvis, que profundizó desarrollando un estilo propio que terminó siendo su marca personal.
El ídolo masivo: balada latina, desenfreno y público femenino [editar]
Sandro.

Como ha resultado habitual en el mundo del rock, sobre todo del rock latino, a fines de la década del 60 Sandro empezó a cambiar radicalmente su estilo, abandonando el rock and roll clásico en español, para diseñar un repertorio más popular, siendo uno de los pioneros de la balada romántica latinoamericana, derivada del bolero, que se convertiría en el género pop latino por excelencia en la siguientes décadas.[10] Sandro le aportó temáticas, poses y ritmos extraídos del rock and roll, que la hicieron provocativa y atractiva para los jóvenes de los sectores más populares de las comunidades latinas de América, y muy especialmente para las mujeres.

Una parte esencial de su estilo fue la adopción de una pose de seducción sexual abierta, que Sandro dirigió hacia las mujeres, expresándolo en sus letras y ritmos, pero sobre todo en su voz y movimientos, obviamente derivado de Elvis Presley, pero que alcanzó una plena identidad personal. Este estilo sexual irreverente tuvo un efecto arrasador sobre las jóvenes latinoamericanas (donde curiosamente más incidencia tenía la prédica sexualmente restrictiva de la Iglesia Católica). Las fanáticas de Sandro (sus «nenas») llegaron a ser tan importantes como él mismo, devolviendo en sus presentaciones un clima de desenfreno y sexualidad, entre las que se volvió un clásico entregarle sus bombachas (panties). Para la época, el mensaje de Sandro resultaba un revulsivo radical contra las normas morales establecidas sobre la virginidad de las mujeres y las relaciones prematrimoniales, férreamente establecidas en toda América Latina.
Cuando hago los movimientos sensuales en el escenario siento que abajo, en la platea, deben de haber 450.000 ratones corriendo carreras. ¿Qué miran esas chicas? ¿Qué necesidades tienen? ¿Qué vacíos? Me intrigan.

Todo comenzó en octubre con su presentación en el Festival Buenos Aires de la Canción cantando la balada Quiero llenarme de ti, que le valió ganar el festival y volverse enormemente popular de la noche a la mañana. El éxito se consolidó con el lanzamiento inmediato del sencillo Quiero Llenarme de Ti, que rompió récords de ventas y se publicó en varios países de habla hispana y comunidades latinas de EE. UU., marcando el inicio de su carrera artística internacional.

El éxito enmarcó el lanzamiento de su sexto álbum, antes de que terminara 1967, que también tomó el nombre de Quiero llenarme de ti. El título con el que había sido pensado inicialmente, Vibración y ritmo quedó como subtítulo del nuevo trabajo. El disco incluye éxitos como Atmósfera Pesada, Después de la guerra, Creyente soñador y Las manos, y la orquesta que lo acompaña es la de Jorge López Ruiz, quién seguiría haciéndolo en los siguientes.

El primer trimestre de 1968 terminó de consolidar a Sandro en una continuidad exitosa, lanzando un simple por mes, todos éxitos: Porque Yo te amo, Como lo hice yo y Una muchacha y una guitarra (años después lo grabaría Bersuit Vergarabat), entre otros.

Entretanto, en febrero de 1968, Sandro se presentó en el influyente Festival de Viña del Mar (Chile), donde volvió a ganar, repitiéndose el furor popular, especialmente femenino, desatado en el festival de Buenos Aires. Viña, un festival clave de la música continental, le abrió las puertas de los países latinos: Venezuela, Colombia, Perú, Uruguay, Paraguay, Ecuador, México, Puerto Rico, Costa Rica y República Dominicana. Su éxito se extendió a las comunidades latinas de EE.UU..

El éxito fue sellado con el lanzamiento en toda América de su séptimo álbum, Una muchacha y una guitarra. Fue la última vez que Sandro incluyó covers.

Un nuevo salto se produjo a fines de ese año de 1968, cuando lanzó su octavo álbum, el más exitoso de su carrera: La magia de Sandro. con éxitos como: “Penas”, “Penumbras”, “Así”, “Tengo”, “Por tu amor”, “Paris ante ti”, “Por algun camino”, “Lluvia de Rosas”, “Yuma yoe”, “Me amas y me dejas” y “La juventud se va”. En este álbum el dúo Sandro-Anderle (todos los temas les pertenecen) ya ha definido las características de la balada romántica que buscaban, matizándola con algunos temas de ritmo más marcado y aire rockanrolero. Los principales temas son Penumbras, Por tu amor, Así y Tengo. Este último ha sido considerado en 2002 por la cadena MTV y la revista Rolling Stone, como el n.º 15 de los 100 mejores temas del rock argentino.

Notablemente, el mundo del naciente rock nacional, que también experimentaba la fusión de rock and roll con formas de pop y folklore latino, con el fin de ganar masividad y un sonido diferencial del rock internacional, y también orientaban gran parte de sus letras contra la moral sexual tradicional católica, rechazó a Sandro sin contemplaciones, con el argumento descalificador de que se trataba de «música grasa»(«grasa» es un término utilizado por las clases medias y altas de la Argentina, para denominar despectivamente a la clase obrera y los gustos populares). Habría que esperar dos décadas para que se iniciara una revalorización general de Sandro por parte del rock nacional.

El 68 terminaba con las provocativas baladas de Sandro haciendo furor entre la juventud latinoamericana. Simultáneamente, ese año Europa había sido sorprendida por el Mayo francés y EE.UU. vivía el movimiento hippie y la contracultura rockera en contra de la Guerra de Vietnam que había estallado el año anterior en el llamado Verano del amor. En América Latina, el asesinato del Che Guevara y la derrota de su movimiento guerrillero en Bolivia el año anterior, anticipaba una era de dictaduras que abarcarían todo el continente generalizando el terrorismo de estado, durante las siguientes dos décadas.

En Venezuela, desde su primer éxito musical: “Quiero llenarme de ti”, llegaba a los primeros lugares de las listas de favoritas, donde su presencia se hizo notar a través de sus presentaciones por TV. Su debut ocurrió en Caracas, en septiembre de 1968,y sus actuaciones personales a sala llena en el hotel Caracas Hilton. A partir de ese momento a Sandro lo comenzaron a radio-difundir con intensidad, y lograba colocar todos los éxitos necesarios para ubicarse en la parte más alta de la popularidad: “Tengo”, “Una muchacha y una guitarra” y “Rosa, rosa”, entre otras.
Los años setenta: Sandro de América

En los siguientes doce años (1969-1980) Sandro realizó 12 películas y 35 álbumes. Ese 1969 publicó dos álbumes (Sandro de América y Sandro) y realizó sus primeras dos películas como protagonista absoluto (Quiero llenarme de ti y La vida continúa ). De sus grandes éxitos aparecieron “Rosa, rosa”, “Guitarras al viento”, “Hasta aquí llegó mi amor”, “Por eso bebo”, “Cuando existe tanto amor”, entre otras. Su obra más famosa “Rosa, rosa” (la más vendida de su carrera) en el primero y Trigal en el segundo. El 2 de agosto recibió en Nueva York un disco de oro por haber sido el artista latinoamericano con mayor cantidad de discos vendidos en los EE.UU.

Simultáneamente con el estallido de su popularidad, aceptó el apodo de Gitano, que eligió para él un productor, en reconocimiento de sus propios ancestros gitanos y en especial a su abuelo paterno, un húngaro perteneciente al pueblo Rom que terminó radicándose en la Argentina.

En 1970 estrenó dos películas más, Gitano (donde representa del papel de un gitano latinoamericano llamado Roberto Vega acusado de un crimen que no cometió) y Muchacho, así como el álbum de esta última película.

A comienzos de ese año, el 11 de abril de 1970, se convirtió en el primer artista latino en actuar y llenar el famoso estadio del Madison Square Garden, en Nueva York, actuando en vivo en dos recitales, frente a más de 250.000 espectadores y que también fue la primera transmisión vía satélite de un cantante en la historia del satélite en todo el mundo. Estas presentaciones fueron grabadas en un álbum en vivo lanzado ese mismo año.

Llevó su espectáculo musical a todos los países de las Américas y el Caribe, incluyendo EE.UU. y Canadá, alcanzando los primeros lugares de todas las listas de la canción popular latinoamericana.
Con una fama que se extendió por todo el mundo, se convirtió en ídolo y representante del continente, comenzando a ser conocido con el nombre de su noveno álbum, Sandro de América, en tanto que la grabadora CBS lo consideró el n.º 1 de la región. Por ese entonces, Sandro junto a otros compatriotas, como Leo Dan, Palito Ortega, Leonardo Favio, Piero y Luis Aguilé y cantantes iberoamericanos como el español Nino Bravo y el portorriqueño José Feliciano, consagraron la balada romántica como máximo género musical de América Latina (íntimamente vinculada a su vez a la telenovela como género televisivo).De todos ellos, Sandro fue el baladista más rockero de todos.

El años 1971 comenzó convocando a 60.000 personas en Buenos Aires en el estadio de San Lorenzo durante los carnavales.

Ese año lanzó el álbum Sandro Espectacular (que incluye Dame el fuego de tu amor). Y actuó como protagonista en dos películas, Embrujo de amor y Siempre te amaré (junto a la actriz española Carmen Sevilla), realizando también la música del film ¡Arriba juventud!. Ese año fue premiado en Francia en el Festival Internacional de Cantantes Galos y luego fue invitado a cantar en el Festival de la Canción de San Remo (Italia), actuación que repetiría al año siguiente.

En 1972 fue el primer artista en cantar en el Luna Park de Buenos Aires, hasta entonces un ámbito exclusivamente boxístico, con un amplio éxito. En EE.UU. recibió el premio Grand Ball al cantante del año, y las llaves de la ciudad de Miami. Lanzó dos álbumes de estudio nuevos (Me juego entero por tu amor y Te espero…). También se estrenó ese año su octava película, Destino de un capricho,en el que interpreta el papel de Daniel. Sandro lleno el estadio del Maracaná en Brasil.

En 1973 Sandro celebró los diez años desde su primera grabación lanzando un álbum titulado Sandro: Después de 10 años, en el que se incluye el tema Mi amigo el puma. Ese año publicó otros dos álbumes, El deseo de vivir y Volverán los días y estrenó su novena película, El deseo de vivir.

En los años restantes de la década del 70 editó doce álbumes (entre ellos Sandro… siempre Sandro, Mi amigo el Puma y El ausente) y tres películas más, Operación Rosa Rosa (1974), Tú me enloqueces (1976) y Subí que te llevo (1980).

En 1978 volvió a cantar en Argentina luego de cinco años sin hacerlo, con un recital a beneficio en el Teatro Ópera de Buenos Aires transmitido en directo por el Canal 13.

Sus películas se exhibieron en el Festival Internacional de Cine de Cannes; y en España, el éxito desatado hacía que se presentara semanalmente y sus películas se vieran en las salas de cine españolas.
La vuelta al suburbio

Luego desapareció de los escenarios. Hablaron de su retiro, cansado de tantas giras maratónicas por el exterior, discos y películas. Se comenzó a hablar de sus problemas de salud, su bronquitis asmática, su deficiencia respiratoria, el enfisema pulmonar, que no podía viajar. Y cantaba sólo en su Argentina, con la ayuda de un tubo de oxígeno, conectado al micrófono por donde cantaba, hasta que lo hospitalizaron; estuvo al borde de la muerte, pero se salvó al ser operado del pulmón.

En 1981, Sandro y Oscar Anderle se separaron, luego de 15 años de trabajar juntos. Este quería conquistar Europa, pero Sandro quería volver a su barrio. Sandro se dedicó entonces a buscar un nuevo sonido que le permitiera renovarse sin perder identidad. Para ello se asoció con Rubén Aguilera. El resultado fue la grabación en 1984 del álbum Vengo a ocupar mi lugar. Al lanzamiento del disco siguieron más de ciento diez recitales a lo largo de la Argentina. Tú me enloqueces (1980), Subí que te llevo.

Más tarde, en los años ochenta, también protagonizó telenovelas. La más recordada es la puertorriqueña Fue sin querer que aún causa sensación en Puerto Rico y la recuerdan mucho sus fans.

En 1981 se fue a Venezuela, y su canción Cuando yo te amo era el tema musical de la tele novela De su misma sangre, que lo tuvo como actor y cantante invitado, y que fue un éxito en sintonía en la América latina y comunidades latinas de EE.UU.
Regreso y tributo a Sandro

Desde fines de los años ochenta, con el surgimiento del «rock latino», algunos rockeros argentinos comenzaron a revalorizar la obra de Sandro, su masividad popular sobre todo entre las jóvenes de los sectores más humildes, su peculiar manera de fusionar elementos del rock y la balada romántica latinoamericana, y sus temáticas y estilo provocativo y renovador, sobre todo en materia de las costumbres sexuales.

Durante la década de los ´90 artistas argentinos y de Latinoamérica le rindieron tributo lanzando un CD homenaje al «padre del rock en castellano».

También le rindieron un homenaje grupos y cantantes de rock en 1998, entre ellos, Bersuit Vergarabat, León Gieco, Molotov, Attaque 77, Los Fabulosos Cadillacs, Divididos, Aterciopelados, entre otros, en el CD que se tituló: Tributo a Sandro, un disco de rock.

En noviembre de 2005, en Los Ángeles, le hicieron un homenaje y le otorgaron el Grammy Latino por su excelencia musical como cantautor y actor y por su trayectoria artística.

Con más de 60 años, y pese a algunos inconvenientes de salud, el ídolo mantiene a sus fieles seguidoras, que no dudan en montar guardia en su casa en Buenos Aires durante su cumpleaños o cuando anuncia su regreso con presentaciones en vivo.

En 2007 trabajó con Ricardo Arjona en el nuevo disco de éste: Quién dijo ayer, en la canción Realmente no estoy tan solo, que canta con el mismo Arjona.

Ha recibido varios discos de oro en diversos países del continente americano por sus altos niveles de ventas y muchos premios como cantante o artista de habla hispana.
Sandro y “sus nenas”: un eterno romance

Uno de los fenómenos más notables de la carrera de Sandro es la permanencia en el tiempo de la fidelidad y la pasión de sus fans. Mayoritariamente se trata de mujeres latinoamericanas, en todos los países, que eran adolescentes a comienzos de los años setenta y que nunca dejaron de seguir a Sandro y lo que es más notable, nunca dejaron de cumplir con los ritos sensuales que lo hicieron famoso, como el frenetismo y sobre todo, el ofrecimiento de sus bombachas (pantys). En la primera década del siglo XXI, esas fans ya son mujeres mayores, muchas de ellas ancianas, que siguen peregrinando a la casa de su ídolo en Banfield y asistiendo a sus conciertos, con la misma actitud que tenían cuando lo descubrieron de adolescentes.

El siguiente testimonio, sobre una de esas fans, es demostrativo del alcance de este fenómeno, casi sin parangón:
Hace como 15 años, ante la inminente partida hacia el más allá de una de mis tías favoritas, consideré una buena despedida que ella y sus hermanas fueran a ver un recital de Sandro… Al rato se empezaron a apagar las luces y la tía gritaba: «¡Ahí viene el frenético, ahí viene el frenético!»… Era el cantante vestido de negro, con una rosa roja en una mano y un micrófono en la otra. El teatro empezó a temblar. Pensé que era un terremoto. No, eran las «chicas» liberando endorfinas. En las baladas, más o menos contenidas…pero cuando arrancaba con las canciones que tenían ritmo, ninguna se quedaba en su sitio, ni la peluca de la tía que quedó con la raya en la nuca. Y a ella no le molestaba. Al principio intentaba acomodarla, después dejé que disfrutara. Después de un par de horas nos retiramos. La sonrisa de la tía me animó, le conseguí una foto con la firma del cantante… Al regreso colocó la foto en una especie de altar y le encendió una vela. Pasado más o menos un mes, entró al quirófano a operarse con la foto de Sandro en una mano. Según ella, la fuerza del Gitano la iba a salvar. Yo creo que fueron sus ganas de vivir.
Luego de una prolongada lucha contra una grave enfernedad y un trasplante de pulmones y corazon, fallecioel 4 de enero de 2010, dejandoen nuestros corazones una terrible angustia de haber perdido a un ser unico e irrepetible, un grande en serio
Fuente: www.wikipedia.com

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Biografías de la semana

	Nombre artístico de Louise Veronica Ciccone; Bay City, Michigan, 1958) Cantante y actriz estadounidense. Considerada el “fenómeno pop” más importante de las décadas de los ochenta y noventa, Madonna ha sido capaz de romper cualquier récord en su carrera, como ser la única solista que ha copado los dos primeros puestos de la listas de sencillos británica.
	Ricardo Arjona es un cantautor guatemalteco, que ha sido nominado a tres premios Grammy y ganado dos: el Grammy (2007) y el Grammy Latino (2006), ambos por su álbum “Adentro” (2005). Nació en el pueblo de Jocotenango, cerca de Antigua Guatemala, el 19 de enero de 1964
	Michael Joseph JacksonMichael Jackson, es un cantante, compositor y bailarín estadounidense de música hard rock, rhythm & blues (soul y funk), disco y dance

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Bandas under de la semana

Farmacia	Metrostation	Falso Primer Ministro
MIdnight Jugernaugths	Fantasmagoria	Alika

Links

Letra de la cancion

Every night in my dreams
I see you, I feel you,
That is how I know you go on

Far across the distance
And spaces between us
You have come to show you go on

Near, far, wherever you are
I believe that the heart does go on
Once more you open the door
And you’re here in my heart
And my heart will go on and on

Love can touch us one time
And last for a lifetime
And never let go till we’re one

Love was when I loved you
One true time I hold to
In my life we’ll always go on

Near, far, wherever you are
I believe that the heart does go on
Once more you open the door
And you’re here in my heart
And my heart will go on and on

You’re here, there’s nothing I fear,
And I know that my heart will go on
We’ll stay forever this way
You are safe in my heart
And my heart will go on and on

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Biografia

Fermin Muguruza es un cantante, instrumentista y productor musical nacido en 1963 en Irún (Guipúzcoa) y hermano de los también músicos Iñigo Muguruza y Jabier Muguruza. Ha sido definido como «una de las figuras más influyentes y carismáticas del panorama musical vasco».

Comenzó su carrera musical fundando, junto a su hermano Iñigo, el grupo musical Kortatu, uno de los grupos más importantes dentro del denominado Rock Radical Vasco y pioneros en introducir el ska y el dub en el panorama musical vasco y español. En el grupo, Fermin se encargó de tocar la guitarra y cantar como voz principal. La mayor parte de los temas del grupo fueron compuestos por los dos hermanos.

Cuando Kortatu se disolvió, formó, de nuevo junto a Iñigo y Kaki Arkarazo, el grupo de rock de fusión Negu Gorriak, que ha sido calificado como «uno de los más importantes de los 90».^[4] Fermin dejó a un lado la guitarra y se convirtió en la voz principal, ejerciendo como carismático frontman. Junto con sus compañeros de grupo, fundó la discográfica Esan Ozenki Records para actuar siempre dentro del marco de la autogestión.

Después de la disolución de Negu Gorriak comenzó su carrera en solitario, practicando un estilo de fusión con elementos de ritmos latinos, rock, hip hop, funk, soul y drum and bass pivotando alrededor del reggae.

Ha colaborado con muchos artistas de talla internacional como Manu Chao, Banda Bassotti, Amparanoia, Tijuana No!, Albert Pla, Zebda, Desorden Público, Reincidentes, Angelo Moore, Peret, Rossy de Palma o Mad Professor.

En aspectos extramusicales, ha ejercido como columnista en los periódicos Argia y Egin, y condujo un programa de radio en Egin Irratia.

Políticamente hablando, Muguruza ha sido un personaje comprometido. Se declara de izquierdas, abertzale e internacionalista. Ha colaborado o simpatizado con numerosas organizaciones sociales y políticas vascas, como las Gestoras Pro Amnistía o Herri Batasuna. En 1999, fue candidato independiente dentro de las listas de Euskal Herritarrok en las elecciones al Parlamento Europeo. Aunque su nacionalidad oficial es española él se considera «vasco».

Nació el 20 de abril de 1963 en Irún, Guipúzcoa. Desde pequeño, con 6 años, aprendió solfeo, a tocar el acordeón y la guitarra. Compartió el mismo interés por la música que sus otros dos hermanos: Iñigo (más pequeño que él) y Jabier (mayor que él). Entre los tres consiguieron reunir una colección de más de 2.000 discos, que tuvieron que repartir cuando Jabier se marchó de casa. Fermin estudió pedagogía en la Universidad de Salamanca, donde empezó a dar muestras de querer montar un grupo. Fue tras ver un concierto de The Clash en San Sebastián cuando finalmente se decidió a montar un conjunto musical.

Actualmente, Fermin Muguruza está divorciado y es padre de un niño y una niña.

La música de Fermin Muguruza parte principalmente del reggae y el dub, fusionado con elementos del soul, la música electrónica, el drum and bass, el folclore vasco, el jazz o el hip hop.

En 1984 fundó, junto a su hermano Iñigo y a Mattin Sorzabalbere (más tarde sustituido por Treku Armendáriz), el grupo Kortatu. Fermin se encargó de cantar y tocar la guitarra, Iñigo se encargó del bajo y Treku de la batería. Aparecieron encuadrados en el llamado Rock radical vasco y fueron pioneros en introducir el ska en España.^[3]

El grupo se dio a conocer en un recopilatorio llamado «El disco de los cuatro» (Soñua, 1985), junto a Cicatriz, Jotakie y Kontuz-Hi!. Posteriormente grabaron tres álbumes de estudio (Kortatu, 1985; El Estado De Las Cosas, 1986; Kolpez Kolpe, 1988) un disco en directo (Azken Guda Dantza, 1988) , un recopilatorio para Europa (A Frontline Compilation, 1988) y un maxi-single (A La Calle, 1986), además de un puñado de singles.

Kolpez Kolpe fue un disco fundamental en su carrera, ya que es el primero en el que compusieron todas las canciones en euskera, idioma que tenían recién aprendido. Además, el productor fue Kaki Arkarazo (entonces guitarrista de M-ak), quien se incorporó a la banda como segundo guitarrista.

Después de la grabación de Azken Guda Dantza el grupo se separó. Durante sus cuatro años de vida dieron un total de 280 conciertos por toda la geografía española y por numerosos países europeos.

Negu Gorriak: los 90

Después de dos años de inactividad, Fermin (voz), Iñigo (guitarra) y Kaki (guitarra) formaron una nueva banda: Negu Gorriak, con la que explorarían la fusión con nuevos ritmos (rap, hardcore y ritmos latinos). En 1990 apareció su primer disco: Negu Gorriak, pero decidieron que no saldrían de gira por el momento.^[8] Su primer gran concierto lo reservaron para la marcha que hacen todos los años familiares de presos vascos a la cárcel de Herrera de la Mancha (concierto que aparecería en el vídeo Herrera de la Mancha. 90-12-09). En este concierto se les unió como bajista Mikel «Anestesia».

En 1991 dieron un paso de gigante. El trío inicial se configuró definitivamente como quinteto con la incorporación de Mikel «BAP!!» a la batería. Además, sacaron adelante su propia compañía discográfica: Esan Ozenki Records. Con la recién creada compañía editaron un nuevo disco Gure Jarrera, que fue unánimemente alabado por la crítica musical (desde Radio 3, El País, o la revista musical Rockdelux, que eligió Gure Jarrera como disco nacional del año ). Esta vez el grupo inició una gira (llamada Gora Herria/Power to the People Tour 91) que les llevó por países como Francia, España, Italia, Reino Unido y Cuba. Como testimonio editaron el maxi single Gora Herria, con cortes grabados en directo durante la gira.

En 1993 apareció, según la crítica, la obra cumbre del grupo, el doble vinilo Borreroak Baditu Milaka Aurpegi. Incluso diarios conservadores como ABC o El Correo Español se mostraron elogiosos respecto al nuevo álbum de Negu Gorriak.^[12] Rockdelux volvió a premiarles con el primer puesto de la lista de mejores discos nacionalesy con el puesto número 30 en la lista de «Los 100 mejores discos españoles del siglo XX» El grupo se embarca en Itxurakeriari Stop!! Hypocrisy Tour 93, una nueva gira (la más larga que realizaron en su historia) que les llevó por la República Checa, Italia y Alemania, terminando el 30 de octubre en Bilbao ante 9.000 personas.^[15] El concierto se grabó y se editó como Hipokrisiari Stop! Bilbo 93-X-30.

En mayo de este año, el Teniente-Coronel de la Guardia Civil Enrique Rodríguez Galindo demandó a Negu Gorriak por un delito de «daños al honor y difamación del buen nombre».El motivo fue la canción «Ustelkeria» (de Gure Jarrera), en la que Negu Gorriak, basándose en un informe del fiscal donostiarra Luis Navajas, acusaron al Coronel de narcotráfico. Galindo exigió un pago de 15 millones de pesetas (90.000 euros), además de no poder tocar la canción en directo, ni incluirla en futuras reediciones de Gure Jarrera.^[17]

Durante 1994 no editaron ningún trabajo de estudio, pero realizaron sus primeras giras por América Latina: una gira solidaria con el FMLN en El Salvador y el Hegoamerikan Tour 94, por Chile, Argentina y Uruguay. A modo de resumen de lo hecho durante el año, editaron otro vídeo, Negu Gorriak Telebista.

Durante la gira por Argentina, Fermin trabó amistad con Fidel Nadal, vocalista de Todos Tus Muertos y gran admirador de Negu Gorriak. Fermin produjo el LP de los argentinos Dale Aborigen (1995), en el que éstos realizaron una versión del tema de Negu «Lehenbiziko bala»). Además compuso el tema «Alerta guerrillas» y puso la voz en varios cortes del álbum.

En 1995 apareció el cuarto trabajo de estudio de los vascos, Ideia Zabaldu. Se da un giro en el sonido hacia ritmos latinos, como resultado de sus giras por latinoamérica por lo que el disco es mucho más positivo que el oscuro y denso Borreroak.

Aunque la demanda de Galindo fue desestimada en los Juzgados de Primera Instancia, la Audiencia Provincial de San Sebastián falló a favor de éste, lo que hizo peligrar el futuro del grupo y la discográfica, ya que no disponían de los más de 60.000 euros que les condenaron a pagar al recién ascendido a General. El grupo recurrió ante el Tribunal Supremo y la sentencia quedó a la espera de la resolución por este tribunal. En junio, Negu Gorriak se lanzaron otra vez a la carretera, iniciando también una campaña de solidaridad y a favor de la libertad de expresión, que culmina con la edición de un recopilatorio solidario con el grupo en Italia: Parla! Libertà d’espressione (Radio Tandem, Esan Ozenki-Gora Herriak, 1996). Negu Gorriak contribuyen con el tema «Ume Hilak». Durante este año, Fermin ejerció como productor de las suizas Wemean. El resultado es el álbum Wemean (Esan Ozenki-Gora Herriak, 1996), en el que además, pone su voz en el tema «Stop al pánico».

En 1996 Negu Gorriak editó el disco Ustelkeria (Esan Ozenki). El álbum tuvo como objetivo recaudar fondos ante el proceso judicial abierto, y contiene rarezas, caras B de sus singles y un tema inéditos. Este mismo año Negu Gorriak se disolvieron, dando su último concierto en las jornadas organizadas por las asociaciones juveniles Jarrai y Gazteriak, compartiendo cartel con Zebda, Dut y Body Count. Con la noticia de su disolución, entregaron su último disco de estudio, Salam, Agur (Esan Ozenki), compuesto enteramente por versiones de grupos que influenciaron a los vascos como The Clash, Minor Threat, Bob Marley, Public Enemy, N.W.A., Redskins, Linton Kwesi Johnson, Dead Kennedys, The Who y Otis Redding. El grupo prometió volver si ganaban el juicio.

Abrir las puertas: el disco con Dut

Un año después de la disolución de Negu Gorriak, Fermin se une al grupo Dut para publicar un sólo disco, Ireki Ateak (Esan Ozenki, 1997), firmado con el nombre de Fermin Muguruza eta Dut. Tras esta colaboración inicia su carrera en solitario que se destacaría por la fusión de diversos estilos.

Brigadistak Sound System y Dub Manifest

En 1999 apareció su primer disco en solitario: Brigadistak Sound System. En él, se mezclan reggae, ska, rock y jungle, con algunos elementos de raggamuffin o salsa, y participando multitud de artistas internacionales. El disco se inició con una colaboración entre Fermin y los venezolanos Desorden Público. Así, cada canción está grabada en un punto diferente del planeta, desde Roma hasta Caracas, pasando por Los Ángeles , París, La Habana o Barcelona. En este disco Fermin no se arropó con una banda (lo que es habitual en sus discos posteriores), sino que cada canción estaba grabada con diferentes bandas y músicos, como Banda Bassotti, Hechos Contra el Decoro, Manu Chao, Amparo Sánchez (de Amparanoia), Angelo Moore (de Fishbone), el grupo cubano Los Van Van o los argentinos Todos Tus Muertos. El propio nombre hace referencia a las diferentes personas que se involucraron, a la manera de unos «Brigadistas Internacionales del Rock». Las mezclas finales se realizan en los Estudios Katarain (Azkarate, Navarra) de mano de Kaki Arkarazo.

La temática del disco es bastante heterogénea. Desde una perpectiva abertzale («Harria») pero sin perder el internacionalismo («Brigadistak»), Fermin toma la palabra («Hitza Har Dezagun») y se convierte en una «nación andante» («Nazio Ibiltaria Naiz»), reclamando los derechos de los pueblos oprimidos («Newroz», «Maputxe») y arremetiendo contra los poderosos, sus instituciones y su «mirar para otro lado» («Puzka» o «Urrun»). No faltaron versiones de «54-46, That’s my number» de sus admirados Toots and The Maytals («54-46») o del poema del escritor vasco Joseba Sarrionandia («Eguraldi Lainotsua Hiriburuan»). También, aparte del euskera, aparecieron en el disco multitud de lenguas, desde el español al francés, pasando por el aragonés, catalán, lengua mapuche, kurdo, inglés, etc.

El disco obtuvo buenas críticas. Rockdelux lo situó en el puesto 55 de una lista de «los 100 mejores discos españoles del siglo XX». Fermin fue premiado en la IV Edición de los Premios de la Música que concede anualmente la SGAE en la categoría de «Mejor Canción en Euskera» por «Urrun».^[19] Fermin se negó a aparecer en la gala y rechazó el premio:

Ese mismo año apareció ErREMIXak, un disco con siete remezclas de otras tantas canciones de Brigadistak Sound System. Apareció primero como CD exclusivo de la revista Entzun!!, pero más tarde se editó para su venta en tiendas.

Para presentar el disco en directo, Fermin formó la Fermin Muguruza Dub Manifest, banda de apoyo formada por músicos de diferentes países, la mayoría de los cuales habían colaborado en la grabación de Brigadistak Sound System: Sorkun (coros, ex-vocalista del grupo de punk-rock vasco Kashbad), Mikel Abrego (batería de BAP!!, Nación Reixa o Negu Gorriak), Oskar Benas (por entonces guitarrista de La Bemba Blanch y Symbium Pandora), Hugues Schecroun (teclados, miembro de la banda francesa Spartak Dub International), Brice Toutoukpo (bajo, también de Spartak Dub International), Stefano Cecchi (trompeta del grupo de reggae italiano Ramiccia) y Francesco “Sandokan” Antonozzi (trombón, también de Ramiccia). Con ellos inició una gira que les llevó diferentes lugares del estado, así como a Italia, Francia o Los Ángeles.

Con esta misma banda grabó su segundo trabajo en solitario: FM 99.00 Dub Manifest (2000). El disco se adentró en los terrenos de la música electrónica y el drum and bass sin perder el reggae y el ska como bandera. Las colaboraciones son también destacadas, como las de Magyd Cherfi y Mustapha Amokrane (del grupo Franco-argelino Zebda) en «Bere-Bar», Selektah Kolektiboa (grupo pionero en hacer hip-hop en euskera) en «Diru espainol zikina» o Nacho Murgui (ex-vocalista de Hechos Contra el Decoro) en «Radical chic».

La banda inició una nueva gira europea, y llegó a tocar por primera vez en Japón (en el Festival Fuji-Rock) y en Quebec (en el Fortuna Reggae Festival). Cuando terminó la gira de 2001, la Dub Manifest se desintegró y Fermin comenzó a preparar nuevos proyectos, incluida una reunión de Negu Gorriak.

Durante estos dos años, colaboró en diferentes grabaciones de varios grupos: con los asturianos Dixebra, poniendo su voz al tema «Wilma Loulé» incluido en el disco Glaya un país (2000), con Reincidentes en el tema «Un pueblo» del disco Y ahora Qué (2000) y con Desorden Público en «Cyber-revolucionario» del disco Diablo (2000).

Además, Fermin compuso dos canciones («Furtibo putakumiak» y «Basurdea») para la banda sonora del cortometraje de Ane Muñoz Basurdea. «Furtibo putakumiak» se editó en el recopilatorio 21 inéditos y exclusivos (2002), con motivo de la edición del número 200 de la revista Rockdelux.

«Negu Gorriak: la victoria es nuestra»

El 7 de junio de 2000, el Tribunal Supremo absolvió a Negu Gorriak de todos los cargos al considerar que la querella de Galindo estaba mal planteada^[21] Los abogados de éste no recurrieron, y Negu Gorriak anunciaron, en enero de 2001, la victoria sobre el Guardia Civil y la celebración de dos conciertos de Negu Gorriak como despedida final y agradecimiento a todo el apoyo recibido durante el proceso. Los conciertos se celebraron en febrero en Bayona (4000 personas) y en el velódromo de Anoeta en San Sebastián (13.000 personas). Debido a la venta masiva de entradas (se agotaron en menos de un mes) y a la expectación creada, el grupo anunció que se realizarían dos conciertos en Anoeta. Además, se reeditó Ustelkeria para su venta en tiendas. Alrededor de 30.000 personas fueron testigos de los tres últimos conciertos de Negu Gorriak.

La reagrupación de Negu Gorriak hizo que los italianos Banda Bassotti, disueltos en 1994, se reagrupasen también para tocar como teloneros. Con estos conciertos, la Banda Bassotti comenzó a publicar nuevos discos. El primero de ellos, Un Altro Giorno D’Amore (Gridalo Forte, 2001) es un doble CD grabado directo durante el concierto que dieron en el Centro Social Okupado Villaggio Globale (Roma). En este concierto, apareció Fermin e interpretó con ellos los temas de Kortatu «La línea del frente» y «Zu Atrapatu Arte».

Esan Ozenki, discográfica siempre unida a Negu Gorriak, se disolvió junto con el grupo, pero reapareció como un nuevo proyecto: Metak (y Gora Herriak se transformó en Alter-Metak).^[23] Así, Fermin abandonó la gestión del sello y se centró desde entonces en su música. A comienzos de 2006, Metak anunció su desaparición ante las malas ventas de discos.^[24]

El General Galindo, dentro de los procesos abiertos en 1996 contra la «trama de los GAL» (Grupos Antiterroristas de Liberación), fue condenado en 2000 a 75 años de prisión por secuestro, tortura y asesinato de Joxi Lasa y Josean Zabala. En 2002 fue inhabilitado y se le retiró su rango de General por parte del Ministerio de Defensa. En marzo de 2004 se le aplicó el tercer grado penitenciario. Cumplió cinco años de cárcel.

Comunicación-Incomunicación

Durante 2002 Muguruza empezó a darle forma a un nuevo trabajo de estudio. Dejar su trabajo en Esan Ozenki le permitió concentrarse en el que iba a ser su proyecto más ambicioso. Para ello se puso en contacto con diferentes músicos para darle al disco un aire más reposado y menos bailable que los anteriores. Eligió a Mikel Abrego (batería) y a Alfonso Arias «Papuchi» (ex-guitarrista de Alcohol Jazz o los ya extintos Hechos Contra el Decoro) como embrión de la nueva banda. Este último puso a Fermin en contacto con Eva Reina (coros) y Andrés Belmonte (bajo), miembros también de HCD. Más tarde se incorporaron Begoña Bang Matu (coros, ex-cantante de Malarians), Eric Herrera (trombón de Dr. Calypso y Amousic Skazz Band), Gorka Benítez (saxo), Raynald Colom (trompeta), Mikel Azpiroz (piano y teclados), Joseba Tapia (trikitixa) y DZ (DJ de Selektah Kolektiboa) a los platos y scratch, que aparece como un instrumento más. Los vientos, guitarras y el piano le daban al disco un aire jazz, mientras que los coros se acercaban al soul. La base reggae se consiguió con bajo-batería, mientras que el toque electrónico lo proporcionaron los scratch y las programaciones. Fermin abandonó la espontaneidad y se adentró en la búsqueda de detalles e instrumentaciones más trabajadas. La mezcla de ritmos es exactamente lo que estaba buscando Muguruza, quien, en varias ocasiones, declaró que este era su trabajo más cuidado y trabajado.

La grabación se realizó en los Estudios Garate, ejerciendo Kaki Arkarazo como productor. Tras tres semanas se inició la masterización en los Estudios Translab de París con Pompon Filkenstein a los controles. El disco, llamado In-komunikazioa, apareció en octubre de la mano de un nuevo subsello de Metak: Kontrakalea Ekoizpenak, que de aquí en adelante publicó todos los trabajos de Fermin y de músicos bajo su tutela (los discos en solitario de Sorkun y Áfrika, la banda de rap del País Vasco francés MAK, …).

El disco partía de las bases de FM99.00 Dub Manifest y se introdujo en terrenos más reggae («Zubizuria», «Beti izango dugu Bilbao», «Bidartean») y soul («Azperena», «Armagideon tenoreko aztarnak»), lo que, junto a sus letras, le dio un toque más intimista y sosegado. Aún así, no falta un drum’n'bass como «Leonard Peltier free» o temas más bailables como «Hiri debekatura bidai txartela» con elementos del funk. Como es habitual, aparecen varios colaboradores, como la rapera Ari, Rude o Áfrika.

El disco fue muy bien recibido por la crítica (obtuvo el puesto número 12 en la lista de «Mejores Discos Nacionales de 2002» de Rockdelux)^[26] y Fermin ganó de nuevo el premio a la «Mejor Canción en Euskera» en la VII Edición de los Premios de la Música con «In-komunikazioa».^[27] Esta vez, Fermin sí acudió a recoger el premio con una idea en al cabeza: al recoger el trofeo, se lo dedicó a trabajadores del periódico Euskaldunon Egunkaria cerrado por su presunta relación con ETA, solidarizándose así con ellos. La dedicatoria no sentó bien a un sector del público asistente a la gala, que empezó a silbar y abuchear al músico. En la rueda de prensa posterior sufrió también el ataque de varios periodistas, pero tampoco faltaron las muestras de solidaridad de algunos de los asistentes al acto:

Debido al embarazo de Eva Reina, Fermin pospuso la presentación del disco en directo. No habría gira, por el momento, aunque sí algunos conciertos aislados. El primero de ellos fue justo el día en que recogió el premio de la SGAE. Se presentó en el centro Social Okupado El Laboratorio de Madrid junto a «Papuchi» y Begoña Bang Matu e improvisaron un concierto. La nueva banda de Fermin (Fermin Muguruza kontrabanda) estaba formada por Mikel Abrego (batería), «Papuchi» (guitarra), Eva Reina (coros y teclados), Andrés Belmonte (bajo), Begoña Bang Matu (coros), Sorkun (coros), Jon Elizalde (trombón), Igor Ruiz (saxo), Aritz Lonbide (trompeta), Kristina Solano (trikitixa) y DZ (platos y scratch). Los primeros conciertos de la banda fueron en el festival Bizi Gara («Estamos Vivos») junto a Sorkun, Kuraia, -Gailu y Bad Sound System. Los conciertos se celebraron a finales de noviembre de 2002 en Hazparne (País Vasco francés) y Donostia. El 23 de noviembre, aprovechando unos ensayos en Madrid, la Kontrabanda realizó un concierto sorpresa en la Sala Caracol con motivo del «Aguascalientes Zapatista» que se estaba celebrando en la ciudad. Al día siguiente, Fermin participó en la presentación de la revista zapatista Rebelión junto al director de ésta, Manu Chao y Fernando León de Aranoa. El 5 de diciembre volvieron a actuar en el Festival Transmusicales de Rennes, en Bretaña. Fue el último concierto, por el momento, de la Kontrabanda.

Con el disco terminado fue invitado por Raül Fernández (del grupo Refree) a interpretar un tema junto con la orquesta The Rockdelux Experience en un concierto que se va a ofrecer el 30 de octubre para celebrar la salida del número 200 de la revista Rockdelux. El concierto consistió en una selección de 19 canciones interpretadas por The Rockdelux Experience y cantadas por diferentes músicos como Nacho Vegas, Fernando Alfaro (de Chucho), J (de Los Planetas) o Miguelito «Superstar» y Paquito «Sex Machine» (de la Fundación Tony Manero). Por su parte, Fermin interpretó el tema «Neskak Zero Katea Ikusten Du», versión en euskera de «She Watch the Channel Zero?!» de Public Enemy, que ya habían hecho Negu Gorriak en el disco Salam Agur. El concierto se editó en un CD que acompañó al número 209 de la revista: The Rockdelux Experience. 30.10.2002 (Sinedín-Rockdelux, 2003).

En 2003 salió a la calle Irun Meets Bristol. Komunikazioa, un disco de remezclas de In-komunikazioa. El disco fue fruto de la colaboración entre Muguruza y diferentes músicos de Bristol (Reino Unido). Fermin mostró así las dos caras de la moneda: la incomunicación, el pesimismo y los ritmos sosegados de In-komunikazioa se transformaron en la comunicación, el positivismo y los salvajes ritmos drum’n'bass de Komunikazioa. Los días 12 y 13 de abril aparecieron los primeros números del diario Egunero, sucesor de Egunkaria. A modo de campaña de apoyo al nuevo periódico, el disco pudo conseguirse junto con éste, y parte del dinero recaudado fue donado al diario. El 14 de abril se puso a la venta en las tiendas de discos. También se puso a la venta una edición con los discos juntos: In-komunikazioa/Komunikazioa Kutxa (Kontrakalea-Metak).

Jai-Alai Katumbi Express

Debido a este parón, en 2003 se embarcó junto a Manu Chao y su banda Radio Bemba Sound System en una gira llamada Jai-Alai Katumbi Express. El proyecto nació en el «Aguascalientes» de Madrid, donde se encontraron Manu y Fermin. En un primer momento los músicos dieron conciertos en salas de pequeño aforo. Los temas que interpretaron eran mezclas de canciones de Manu Chao-Mano Negra y de Fermin-Negu Gorriak. De esta manera, «Merry Blues» se mezcló con «Maputxe» o «Peligro» con «Eguraldi lainotsua hiriburuan». Durante tres meses (de febrero a abril) recorrieron buena parte de la geografía española, para salir más tarde a una mini-gira europea por Francia, Holanda y Bélgica. En esta gira decidieron abandonar el formato de salas de pequeño aforo y cambian para hacer conciertos multitudinarios, cosa que harían también en la tercera fase de la gira. Durante su estancia en Francia tocaron por sorpresa el 31 de mayo en Annemasse, dentro de los actos organizados contra la reunión del G8 que se estaba realizando en ese momento en Evian.

En agosto comienzó en el País Vasco francés la tercera fase de la gira, que continuó por Italia, Suiza y Alemania. Los últimos conciertos estaban programados para diferentes ciudades de España: tres días en Pamplona, el 26 en Vigo, el 28 y 29 en Madrid, el 30 en Tenerife, el 2 de septiembre en Málaga, el 4 en Murcia y para finalizar el 6 en Rubí (Barcelona). Antes del concierto de Málaga, la Asociación de Víctimas del Terrorismo (AVT) pidió que no se cediese el polideportivo municipal «José María Martín Carpena» (concejal malagueño del Partido Popular asesinado por ETA en julio de 2000), ya que consideraban un insulto que actuase allí Fermin Muguruza, ya que lo acusaban de hacer militado en Batasuna y de hacer apología de ETA. La AVT pidió a otros ayuntamientos que no cedieran las instalaciones municipales si Fermin Muguruza actuaba. Manu Chao se negó a actuar sin Fermin y las presiones resultan en la suspensión de los conciertos de Málaga y Murcia.^[30] Durante estos días se multiplicaron en la prensa española las críticas a Muguruza. De igual manera, numerosos músicos, colectivos políticos y particulares firmaron un comunicado de apoyo a los dos músicos.

La AVT esgrimió como prueba la canción «Sarri, Sarri», uno de los grandes éxitos de Kortatu (de 1985), cuya letra celebraba la huida de la cárcel de Martutene de Joseba Sarrionandia y de Iñaki Pikabea, condenados por su pertenencia a ETA. Finalmente, Fermin Muguruza fue denunciado por la AVT y la Plataforma Convivencia Cívica Catalana ante la Fiscalía del Tribunal Superior de Justicia de Cataluña por apología del terrorismo.^{[35] ,[36]} Más tarde, Manu Chao ironizaría con respecto a la denuncia:

Desde entonces Fermin Muguruza ha sufrido un boicot junto con otros grupos vascos como Soziedad Alkoholika y Su Ta Gar, debido a las presiones de la AVT, a pesar de que ha declarado en muchas ocasiones no estar de acuerdo con la lucha armada de ETA:

Komunikazioa Tour

Una vez terminada la gira Jai-ALai Katumbi Express y recuperada Eva Reina de su parto, La Fermin Muguruza Kontrabanda puso en marcha el Komunikazioa Tour. La trikitilari Kristina fue sustituida por Xabi Solano. Los primeros conciertos son el 28 de septiembre en Artozki y el 22 de noviembre en los campamentos de refugiados saharauis de Tinduf (Argelia), en el marco del Sahara Festival.

El 27 comenzó una accidentada gira por España. La AVT continuó con su política de presión a los diferentes Ayuntamientos y salas de conciertos que programaban a Muguruza, consiguiendo que se suspendiesen los conciertos de Logroño, Asturias, Murcia, Valencia, Castellón, Huesca, Zaragoza y Madrid. En muchos casos la banda pudo actuar con el apoyo de los propios Ayuntamientos, como fue en el caso de Córdoba y Mérida. En el caso de los conciertos de Madrid y Valencia, éstos se suspenden debido a las amenazas de grupos de ultraderecha contra los propietarios de las salas Repúblika (Valencia) y Caracol (Madrid). Las amenazas de grupos de extrema derecha no eran nuevas. En 2001, se detuvo a un grupo de personas a las que les explotó accidentalmente un artefacto explosivo de fabricación casera que pensaban detonar durante un concierto de Fermin Muguruza. En 2005 los acusados fueron condenados a seis años de prisión por la Audiencia de Barcelona.^[40] La primera parte de la gira termina con doblete en Barcelona. Testimonio de esta gira es el disco en directo Sala Apolo, Barcelona 21/01/04 (Kontrakalea-Metak, 2004), grabado en esos últimos conciertos.

La segunda parte de la gira llevó a la Kontrabanda por todo el mundo. Arrancó el 24 de febrero en Toulouse y les llevó por Europa, Uruguay, Argentina, Chile, Estados Unidos de América, Japón y Canadá, así como por diferentes localidades españolas. La entrada a EE.UU. resultó difícil, ya que no obtuvieron el visado hasta dos semanas antes de sus actuación en el Sierra Nevada World Music Festival (en Angel’s Camp, California) y en el Fillmore de San Francisco. En Japón actuaron de nuevo en el Fuji Rock y en el Radical Music Network Festival. También acudieron a Roskilde (Dinamarca), donde participan en el prestigioso Festival de Roskilde.

El 22 de mayo, consiguieron tocar en Madrid, en el municipio de Rivas Vaciamadrid, gracias al apoyo del ayuntamiento local. El concierto, al igual que los que dio en 2002, se enmarcó en una campaña para festejar el veinte aniversario del levantamiento del EZLN. La Kontrabanda tocó en compañía de dos bandas locales: las hiphoperas BKC y Desechos (banda que surgió de las cenizas de Hechos Contra el Decoro). 24 horas antes del concierto y con 2.000 entradas vendidas, el Gobierno de la Comunidad Autónoma de Madrid, a través de su Dirección General de Relaciones con la Administración de Justicia y de Política Interior, decretó la prohibición del concierto argumentando que «[el concierto vulnera] los valores y normas de convivencia propugnados en nuestra Constitución». A pesar de todo, el concierto se terminó realizando, lo que le valió al Ayuntamiento de Rivas una multa de 30.000 euros. La asociación cultural Ladinamo (organizadora del concierto) lanzó un comunicado buscando apoyo frente a la amenaza de multa que se cernía sobre ella. Meses más tarde, la Comunidad de Madrid notificó a la asociación la apertura de un expediente de sanción que podría conllevar una multa de entre 30.000 a 300.000 euros, el cierre de su local (entre seis meses y dos años) y la prohibición de realizar actividades de cualquier tipo.^[44]

Durante la gira, Fermin declaró que ya se encuentra cansado de la dinámica «disco-gira» y anunció su último concierto para el 16 de agosto dentro de la Semana Grande de Bilbao. Al concierto acudieron más de 20.000 personas.

Nuevos proyectos

Debido a sus declaraciones sobre que el Komunikazioa Tour iba a ser su última gira, los rumores sobre la retirada de Fermin del mundo de la música se multiplicaron. Fermin desmintió los rumores rápidamente, anunciando varios proyectos musicales.

De nuevo se encarga de la banda sonora de un cortometraje de Ane Muñoz (El Salto de Beamon). Así, graba «Beamon Jauzia», «Amesten» y «Beamon». Además, trabaja en canciones para la obra de teatro infantil Xomorroak (Bizitza Lorontzian)/Bichitos (La Vida en el Tiesto) dirigida por Anartz Zuazua y Klaus Groten. Como la obra se representa en euskera o en castellano, la banda sonora consta de 14 canciones en las dos lenguas. La obra de teatro trata sobre las aventuras de un conjunto de insectos que viven en un pequeño tiesto llamado Euskal Herria. Las canciones, en un lenguaje infantil, tienen una gran carga irónica (un guiño a los mayores que se acercan a verla) y van cargadas de mensaje para los más pequeños: en «Euliak eta Armiarmak/Moscas y Arañas» se censura la crueldad hacia los bichos, en «Charlie Legala Da/Charlie Es Legal» se critica a la manipulación de los medios de comunicación, en «La Guardia Insectil” se critica la persecución a inmigrantes por medio de los Cuerpos de Seguridad a la vez que se habla de tender la mano a la inmigración (legal o ilegal). En cuanto a la música, Fermin se centra en ritmos electrónicos, Jungle, Drumm’n'bass y Trip-Hop, sin dejar de mano el rock, el raggamuffin o ritmos latinos en forma de tangos. Fermin cuenta con la colaboración de Oskar Benas (guitarra y bajo), Xabi Solano (trikitixa), Matxinsalto Pottoloa (trompeta), Ehunzango Mehea (saxos) y Marisorgin Tsunamia (trombón). Para las voces, canta el propio Fermin, Sorkun, Fernando Sapo (cantante de Kuraia), Libe García y los propios actores de la obra: Aitor Gabilondo, Itziar Urretabizkaia, Asier Sota, Aitziber Garmendia, Carlos Salaberri y la directora Anartz Zuazua, así como más personas que aparecen en los coros de algunos temas. El disco se graba en los estudios Kontrakalea House (Irún) con Karlos Osinaga como técnico de sonido. La masterización se raliza en los estudios Katarain. El disco resultante Xomorroak (Bizitza Lorontzian)/Bichitos (La Vida en el Tiesto) (Kontrakalea-Metak, 2004) aparece en octubre y sólo se vende por correo o en las representaciones de la obra, pero a partir finales de abril de 2005 se pone en venta en las tiendas. El disco, además de los 28 cortes, incluye el «Xomorrokaraokea»: 8 canciones sin voces para cantar a modo de karaoke.

Edita un recopilatorio de su carrera en solitario: Fermin Muguruza 99 – 04 (Kontrakalea-Metak, 2004). El recopilatorio está formado por un DVD que recoge conciertos de las giras con Fermin Muguruza Dub Manifest y de la Fermin Muguruza Kontrabanda, así como sus vídeos de «Urrun», «Big Beñat» e «In-komunikazioa» y diferentes reportajes de las giras y eventos en los que se ha involucrado Fermin en estos años. El DVD está acompañado de un CD recopilatorio de rarezas y remezclas. En el CD se recogen varios temas que Fermin había grabado para compilaciones («Bideak», «Dues Nations», «Guayaquil City», …), sus contribuciones a las bandas sonoras de Basurdea y El Salto de Beamon, diferentes remezclas y colaboraciones (con Sorkun, Áfrika u Overbass).

Fermin aparece de nuevo por los escenarios con diferentes apodos, como Kontrakantxa Sound Anti-System o DJ Laia. Aparece tocando o pinchando en diferentes eventos, como el «Gazte Eguna» del barrio de Intxaurrondo (Donosti) o la fiesta «Bizi Gara» que se realiza en Ámsterdam. Entre octubre de 2004 y mayo de 2005 aparece por ciudades como Berlín, Madrid, Barcelona, Nueva York, Amman o Damasco (estas últimas en Jordania). En Madrid, actuando como DJ Laia en una sesión en LaDinamo y en febrero actúa junto a «Papuchi» en un concierto dedicado a recaudar fondos para el viaje que los familiares de José Couso (camarógrafo español asesinado por un tanque del ejército estadounidense en Iraq) pretenden realizar por EEUU. Interpreta tres canciones en formato acústico, incluida «La Línea del Frente» de Kortatu.

El 22 de octubre aparece como Fermin Muguruza Trio Akustikoa junto a Xabi Solano (trikitixa) y Jon ELizalde (trombón) en un concierto homenaje al recientemente fallecido Laurel Aitken en Bolonia (Italia).

A finales de 2005 aparece un nuevo proyecto, Basque Fire Department, con el que da tres conciertos. El primero es en la fiesta del sexto aniversario de Bonberenea (casa okupada de Tolosa), el segundo con motivo del décimo aniversario del Kafe Antzokia de Bilbao y el tercero en la sala Arkupe de Aoiz, un pueblo amenazado por el Pantano de Itoiz. Forman parte del nuevo proyecto Xabi Solano (trikitixa), Jon Elizalde (trombón), Sorkun (voz), Mikel Abrego (batería), DZ (platos y ’scratch’) e Iñigo Muguruza (guitarra).

Por fin en Jamaica: Euskal Herria Jamaika Clash

Durante 2005 Fermin ha estado componiendo nuevos temas para un nuevo disco que pretende grabar en Jamaica. Para ello, Muguruza entra en contacto con Clive Hunt, histórico de la música jamaicana, gracias a la mediación del productor francés Pierre Paparemborde (que actuará como productor ejecutivo). Clive Hunt prepara el terreno para la grabación y en enero de 2006, Muguruza viaja a Jamaica junto a Xabi Solano (trikitixa), Jon Elizalde (trombón) y Xabi Peri (programación, guitarra) para grabar un nuevo álbum. Hunt pone en contacto a los músicos vascos con la comunidad jamaicana, encargándose de llevarles al estudio, a conciertos y de presentarles a los músicos de sesión con los que realizarán la grabación. Estos serán Uzziah «Sticky» Thompson (percusiones), Daniel «Axe Man» Thompson (bajo), Wayne «C#» Clarke (batería), Frankin «Bubler» Thompson (teclados), Wayne Armond (guitarra), Dean Fraser (saxo) y David Madden (trompeta). Todos son reputados músicos de sesión, que han trabajado con Skatalites, Rita Marley, Jimmy Cliff, Shaggy o Steel Pulse. El disco se graba en los estudios Tuff Gong International y se mezcla en los estudios Big Yard. Como viene siendo habitual en sus discos, aparecen un montón de colaboradores de primer orden de la música jamaiquina: las I-Threes (Rita Marley, Marcia Griffiths y Judy Mowatt), Luciano, U-Roy o Toots Hibbert.

Una vez grabado el material, Fermin repite en los estudios Translab con Pompon Filkenstein, para la masterización final. En mayo aparece Euskal Herria Jamaika Clash. Debido a que la discográfica independiente Metak, en la que Muguruza venía editando todos sus discos, ha cerrado por problemas económicos,Fermin crea una nueva plataforma autogestionada para editar su nuevo disco: Talka Records.

Militancia política

La carrera artística de Fermin siempre ha estado unida a la política.

Uno de los primeros aspectos políticos que han condicionado su carrera musical ha sido la elección del euskera como lengua de expresión. Fermin no pudo aprender euskera en el colegio (estaba prohibido su uso en las escuelas por la dictadura franquista), por lo que lo aprendió a la vez que Kortatu daban sus primeros pasos. De hecho, con excepción de «Zu atrapatu arte», las canciones en euskera que aparecen en los dos primeros discos de Kortatu («Sarri, Sarri» en Kortatu; «Aizkolari», «9 zulo» y «Jaungoikoa eta lege zarra» en El Estado De Las Cosas) estaban escritas por otras personas. Pero en Kolpez Kolpe, con el euskera recién aprendido, aparecen las primeras composiciones de Fermin en lengua vasca.

Otro de los aspectos más característicos de Fermin es su apuesta por la autogestión y la filosofía del hazlo tú mismo. Basándose en músicos como Jello Biafra o Ian MacKaye, Fermin fundó, junto con sus compañeros de Negu Gorriak, la discográfica independiente Esan Ozenki Records. Mas tarde editó sus trabajos en Metak, heredera de Esan Ozenki. Cuando Metak cerró, Fermin abrió una nueva plataforma autogestionada para editar sus trabajos: Talka.

Su apuesta por la autogestión le ha hecho rechazar a lo largo de sus carrera ofertas por parte de multinacionales y empresas discográficas de renombre, tanto con Negu Gorriak como en solitario.

fuente: wikipedia

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Biografía

Nace en el año 2006, los fundadores de la banda fueron Jorge González y Meyer Cortes y solo Meyer sigue en la banda, la alienación ha cambiado debido a cosas del destino, la banda actualmente se conforma de Omar Langarica en la Batería, Rafa Franco en el Bajo, Orlando Rizo & Meyer Cortes en las guitarras y Ray Cardona en la voz y performance. La música que crea emisor va dirigida a toda persona que se identifique con el arte, (el teatro, la danza, los performance, el jazz, el funk, el rock, el hard rock, el cine, los clowns, etc…) debido a que emisor atrae muchos sentidos de nuestro ser, como por ejemplo visuales, actuaciones en vivo, buenos ritmos y cambios de estilo en la música que te pueden llevar a cambiar de estado de animo en instantes. Los objetivos de emisor son: dar un buen entretenimiento de calidad a los presentes y expresar lo que un quinteto de Guadalajara siente en la sociedad actual, las cosas que les gustan o les disgustan de ella. Emisor lleva 2 años en los escenarios con la nueva producción y ha tocado en varias partes de la república mexicana como Toluca, Aguascalientes, Zacatecas, Irapuato, San luis potosí, Querétaro, adquiriendo experiencia y muchos amigos.

fuente: MYSPACE

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Biografia

Jorge Nasser es uno de los músicos más populares del Uruguay.

Nacido en Montevideo, en 1980 se muda a Buenos Aires donde trabaja como periodista e ilustrador en varios medios de prensa.

En 1981 comienza paralelamente su carrera musical, que lleva a la grabación de su álbum debut en 1984, una mezcla novedosa de pop y ritmos típicos uruguayos como el candombe y la murga, producido por Jaime Roos.

En 1986 su música se decanta al rock, lo que lo acerca al guitarrista argentino Pablo Faragó y a la formación conjunta de Níquel, grupo con el que tendría quince años de actividad ininterrumpida y que se convertiría en el más popular de Uruguay de la década de los ‘90.

Con Níquel, Nasser graba más de una docena de discos, desde el debut de 1988 llamado igual que la banda. Su discografía incluye hitos como “Níquel Sinfónico”, los exitosos “Gargoland” y las recopilaciones “Primate”, que junto a otros títulos cosecharon varios discos de oro y platino. Además de ser la primera banda local en adoptar el sonido unplugged para “Níquel Acústico”.

Siendo productor o coproductor de todos los discos de Níquel, Nasser utiliza esa experiencia para encargarse de trabajos de otros artistas, y entre 1995 y 2000 produce discos del Cuarteto Zitarrosa, de Eduardo da Luz y de Roberto Darvin.

En su trabajo como productor, se vuelca a proyectos de raíz uruguaya, relacionados con el candombe o con la música criolla, géneros a los que se siente cada vez más volcado.

En el 2001 Nasser retoma su carrera solista explorando otros caminos con el álbum “Efectos Personales”. Siguiendo un proceso que empezara con su propia carrera, el músico mezcla en proporciones cada vez mayores la milonga con su veta rockera y blusera, destacándose asimismo la participación a dúo de artistas como Ruben Rada y Jaime Roos, entre otros.

“Luchadores en lodo”, el primer single, interpretado junto a la cantante argentina Sandra Mihanovich, fue una de las canciones de mayor difusión de ese año en las radios uruguayas; a la par que el disco cosechó muy buenas críticas y logró el premio Iris como mejor álbum del año.

Versiones milongueras de Eduardo Mateo y una co-autoría con Mario Benedetti dan una idea de la determinación de Nasser en su búsqueda por crear un perfil propio.

Esa búsqueda cristaliza en el 2003 en su nuevo trabajo: “Milongas del querer”.

La presencia de ritmos y temas típicos uruguayos es más fuerte que nunca y su importancia está marcada desde el nombre del disco.

Una muestra de ello son las versiones de dos canciones emblemáticas como “A Don José” de Rubén Lena y “P’al que se va” de Alfredo Zitarrosa que, junto a nueve canciones de autoría de Nasser, dan forma a un trabajo sólido y adulto de una de las mayores figuras de la música popular uruguaya de nuestros días.

Los éxitos continúan y su música sigue desarrollándose bajo su concepto personal… es así que continúa su carrera discográfica editando “Por milonga” (2005), “Por milonga en la plaza” (2007) con una recopilación de sus temas en vivo, y en 2008 llega “Dúos”, un trabajo con importantes invitados como León Gieco, Teresa Parodi y Sandra Mihanovich entre otros.

fuente: CMTV

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Biografia

Almafuerte es una banda de metal creada a comienzos de 1995 por Ricardo Iorio, ex bajista de las disueltas bandas de metal V8 y Hermética, junto a Claudio Marciello y Claudio Cardacci. Sus miembros actuales son Ricardo Iorio, Claudio Marciello, Adrián “Bin” Valencia y Alberto “Beto” Ceriotti.
A comienzos de 1995, tras la disolución de Hermética en diciembre del año anterior, Ricardo Iorio comienza a ensayar junto a Claudio “El Tano” Marciello quien tendría que haber sido guitarrista de Hermetica pero por una pequeña equivocación contactan a “El Tano” Romano y así comienza Hermetica luego viene la separación de la banda pero esta vez sin equivocaciones, contactan al Tano Marciello y a Claudio Cardacci, meses más tarde, bajo el nombre de Almafuerte (en honor al poeta argentino Pedro Bonifacio Palacios, conocido bajo ese seudónimo), publican su primer álbum: Mundo Guanaco.

En dicho álbum debut, Iorio debuta como cantante de forma estable (en Hermética cantaba temas ocasionales) Incluyen dos covers de la música popular porteña: Desencuentro (un tango de Aníbal Troilo y Cátulo Castillo) y De los pagos del tiempo (de José Larralde); Como Los Bueyes lleva por letra un escrito de Pedro Bonifacio Palacios. Zamba De Resurrección es la segunda ocasión en que Iorio interpreta música popular como tal en su carrera. Además, aparece el tema Voy A Enloquecer, compuesto por Iorio y Ricardo Chofa Moreno al formar V8 y desvirtuado años más tarde por sus compañeros de grupo, al grabarlo como No Enloqueceré, y con una letra completamente opuesta (debido a la tendecia evangelista de varios de los integrantes de V8). El Pibe Tigre (tema en alusión a un chico de nombre Juan Pablo Muñoz) fue el primer video clip de toda la carrera discográfica de Iorio.

En 1996 editan su segundo disco titulado “Del Entorno”. La banda se organiza mejor, Iorio escribe la lírica y la música la compone Marciello. Este año presentan el disco en Buenos Aires, y luego salen de gira por el interior del país. Luego de esta gira, Rodolfo Márquez reemplaza a Cardacci en la batería, pero al poco tiempo también es sustituido por Walter Martínez.

Ricardo Iorio edita en 1997 Peso Argento, un disco junto a Flavio Cianciarulo, el bajista de Los Fabulosos Cadillacs. A finales de este año sale a la venta la tercera placa de Almafuerte, En vida, que incluye trece temas de Almafuerte, Hermética y V8, más tres del dúo Iorio-Flavio, y dos canciones nuevas.

Para 1998, año en que editan Almafuerte (presentado en el Parque Sarmiento) después de 1 mes sale el DVD de recital en vivo presentación del disco Almafuerte, este disco fue producido por Ricardo Mollo quien sale a tocar algunos temas en parque sarmiento con la formación de divididos Araujo, Arnedo y Mollo también ese dia toca Leon Gieco y así ya son considerados la banda de metal más convocante del país, o como se hacían nombrar los mismos Almafuerte lo mejor del Heavy nacional, después de la ya consagrada banda (argentina-internacional) Rata Blanca también con integrantes de lo que era V8.

El 2 de abril de 1999 se estrena la película El Visitante, Ricardo Iorio recibe un llamado del productor preguntandole si podía ser la banda sonora de la pelicula, para la cual Almafuerte aporta un tema nuevo. La película trataba sobre la vida de un ex combatiente de la Guerra de las Malvinas. Este tema, llamado igual que la película, fue incluido en el siguiente disco de estudio de la banda, A Fondo Blanco. Por primera vez Iorio interpreta tangos como tangos (es decir, no versiones metaleras de tangos) en Tangolpeando y La Llaga

Durante el año 2000 llenaron Obras dos veces.

Durante el 2000 unas declaraciones de Iorio en la revista Rolling Stone referidas a la comunidad judía, fueron consideradas antisemitas por diversos sectores y motivaron que algunos particulares formularan denuncias ante el Instituto Nacional contra la Discriminación, la Xenofobia y el Racismo lo cual motivó que Víctor Ramos, entonces presidente del Instituto, presentara una demanda judicial en su contra. En entrevistas posteriores, declaró no ser antisemita y que sus palabras habrían sido malinterpretadas. La causa fue finalmente desestimada por la Justicia.

También este año tuvo que afrontar algunos escándalos más tras la edición del disco Piedra libre, donde realiza un homenaje al ex militar argentino Mohamed Alí Seineldín, veterano de la guerra de Malvinas y condenado por un alzamiento carapintada frustrado — y parafrasea en el tema Cumpliendo mi destino un dicho antisemita atribuido a dicho ex militar.

Poco después tiene lugar la muerte de Ana Mourín, esposa de Ricardo Iorio. El Tano Marciello graba su primer disco solista, y el 3 de noviembre Almafuerte graba un disco en vivo en Obras, En Vivo Obras 2001. A la finalización de ese recital se hizo un “popurrí” (montones de pedazos de temas tocados todos juntos) de temas de V8 y Hermética.

Durante el 2004, luego de la edición de Ultimando hubo numerosos rumores sobre una posible reunión de Hermética, pero al final nada de eso tuvo lugar.

Almafuerte cumplió 10 años al principio del 2005, pero los acontecimientos debidos al incendio de República Cromagnón no les permitieron encontrar con facilidad un lugar donde poder presentarse, ya que como medida provisoria del gobierno se los cerró a todos por un tiempo. Finalmente, debieron presentarse en Scombrorock. Más tarde ese año llenaron Obras, haciendo 2 fechas en lugar de una.

En Octubre de ese año participaron de un gran festival en Obras junto a Megadeth, los cuales grababan un DVD en vivo.

Durante el año 2006 se edita el disco Toro y Pampa, el cual es presentado en Obras el 27 de octubre; y luego el 19 de noviembre, menos de un mes después.

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Biografía

En 1996, el compositor, productor y guitarrista Ry Cooder viajó hasta los Estudios Egrem, en La Habana, interesado en cierta música con ritmos provenientes de África. Si bien su búsqueda resultó infructuosa, esto no le impidió conocer a un grupo de legendarios músicos cubanos, que habían pasado prácticamente al olvido, cuyas edades fluctuaban entre los 60 y 80 años. El resultado fue Buena Vista Social Club, un álbum ganador de un Grammy cuyo éxito fue aclamado internacionalmente. Filmado en 1998, este documental registra el regreso de Cooder a Cuba, ocasión en la que se reúne con el vocalista Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos con la intención de grabar un nuevo álbum. El director de cine Wim Wenders, junto a un reducido grupo de filmación, observó a los músicos en el estudio y rastreó sus vidas en La Habana. Así se dio inicio a este documental, que registra el viaje de los ancianos desde su país natal hasta la ciudad de Ámsterdam -donde ofrecieron dos conciertos-, y que finaliza en Nueva York, con una presentación en el Carnegie Hall.

Eliades Ochoa

Guitarrista y cantante, Eliades Ochoa comienza a tocar a la edad de seis años. Proveniente de una familia de músicos en Santiago, Cuba. En su adolescencia forma parte del circuito musical underground de la localidad. En 1978 pasa a liderar el Cuarteto Patria, un grupo que ha mantenido viva la tradición Folk cubana desde 1940. Bajo su dirección la banda realiza giras internacionales. Al igual que Compay Segundo, Ochoa crea su propio tipo de guitarra para adaptarla a su estilo de interpretación.

Joachim Cooder

Nació en 1978 en Santa Mónica, California. Inspirado por el baterista Jim Keltner, comienza a tocar la batería a la edad de cinco años. Desde entonces ha participado en una cantidad considerable de presentaciones en vivo y músicas de películas, a menudo junto a su padre Ry Cooder, y en numerosas grabaciones de estudio, como Buena Vista Social Club en 1996 y BVSC presents Ibrahim Ferrer en 1998. Joachim estudió percusión en el Instituto de Arte de California, donde formó RadioBemba, banda que mezcla música clásica y latina.

Ibrahim Ferrer

Nació en Santiago, Cuba, en 1927-2005, se quedó huérfano a los 12 años y para ganarse la vida hizo de lustra botas hasta vendedor de periódicos. En un club de danza. Dio comienzo a su carrera al inicio de la década del cuarenta tocando en grupos oriundos de Santiago. En la década del cincuenta fue la voz principal de la banda de Pacho Alonso y también cantó para el legendario Benny Moré. Para la época de las sesiones en el club Buena Vista, Ferrer vivía en un deteriorado departamento en la antigua Habana, como muchos de los ancianos participantes en Buena Vista, vivía semi retirado, ocasionalmente lustrando zapatos por dinero.

Compay Segundo (Francisco Repilado)

Su apodo viene del término cubano usado para designar a los amigos y conocidos, compadre, compay, y de su suave “segunda voz” (de tono armónico bajo). Creció en Santiago, capital provincial del Este de Cuba y cuna de lo que se conoce como la Canción cubana. En su juventud se ganó la vida en los campos de tabaco. A la edad de quince años compone su primera canción, “Yo vengo aquí”, demostrando ser desde ya un excelente guitarrista y clarinetista. Inventó su propio instrumento, el armónico, un instrumento de siete cuerdas semejante a la guitarra. Durante los años veinte y treinta toca junto a las mejores banda cubanas de ese entonces, incluyendo la Banda Municipal de La Habana, Conjunto Matamoros y Justa Garcia´s Cuarteto Hatuey, entre otras. En los años cuarenta gana fama como miembro del dúo Los Compadres, junto a Lorenzo Hierrezuelo. En los años cincuenta forma la banda con la que tocó hasta su muerte, acaecida en el año 2003: Compay Segundo y sus Muchachos. Falleció en su país, rodeado de toda la admiración de su pueblo cubano.

fuente: wikipedia
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Biografia

Lucas Martí encabezó A-Tirador Láser, banda que grabó cinco discos y un simple entre 1996 y 2004. Hermano de Emmanuel Horvilleur, en el 2005 editó sus dos primeros trabajos solistas: “Simplemente” y “Primer y último acto de noción”, al tiempo que también trabajó junto a Migue García en su álbum debut.

En el 2006 editó “Tu entregador”, su tercer disco, a través del sello Los Años Luz. Acompañaron a Lucas (voz y guitarras): Diego Arcaute (batería y percusión), Ezequiel Kronenberg (bajo), María Ezquiaga (voz y guistarra), Juan Ravioli (teclados y coros). Los invitados fueron Emmanuel (voz en “Apurar”), Andrés Ravioli (trompeta en “Celosón”) y Migue (voz en “Metida de amor profundo”).

En el 2007 postergó su trabajo solista para dedicarse a la producción del proyecto “Papa”, en el cual compuso canciones y convocó para grabarlas a grandes voces femeninas, entre ellas Juliana Gattas (Miranda!), María Ezquiaga (Rosal), Emme, Javiera Mena, Naila Borensztein (No Lo Soporto) y Mariana Baraj.
“Pon en práctica tu ley” (2008) fue grabado con instrumentos fabricados antes de 1985 para lograr un verdadero sonido de época, sin la intervención de computadoras. Lo acompañaron Marcelo Baraj (batería), Nicolás Pedrero (guitarras), Ezequiel Kronenberg (bajo), Alejandro Carrau (teclados). El primer corte difusión fue “Date y dame”, a duo con la chilena Javiera Mena.

fuente: Rock.com.ar

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Biografia

Las kellies son una banda argentina integrada por Ceci (guitarras y voz), Sil (batería y voz) y la británica Julia, alias Betty (bajo y voz) Sol (con su voz y una pandereta), todas apellidadas Kelly. La impronta de estre grupo de señoritas con un grandioso toque de locura musical no es ni mas ni menos que la diversion total, y la intencion de que todos se sumen a esa gran fiesta que ellas proponene sobre el escenario. No toman banderas feministas, no conjugan con ideologia alguna, simplemente traspolan su modo de ser hacia todas sus canciones, y de hecho en la diversidad de idiomas que abarcan esta enfants terribles de la musica local podemos creer que algo nuevo e importante esta surgiendo desde las cabezas artisticas de esta banda. El tiempo lo dira, aunque apuesten fuerte, ellas tienen el caballo ganador

Fuente: www.mundofanclub.com

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Biografia

30 Seconds to Mars es un grupo de rock de los Estados Unidos, liderados por el actor Jared Leto, como vocalista de la banda. En 2002 lanzaron su disco homónimo, 30 Seconds to Mars. Sin embargo, han tenido más éxito con su segundo álbum, A Beautiful Lie. El nombre de la banda proviene de una tesis escrita por un Profesor de Harvard. Una de las secciones de la tesis fue titulada “30 Seconds To Mars”, habla sobre el crecimiento en la tecnología humana diciendo que literalmente estamos a “30 segundos de Marte”. Para la banda eso significa, en resumen, la mejor manera de describir su música.
Creada en 1998 por Jared Leto (guitarra y voz), y su hermano Shannon (batería), “30 Seconds to Mars” comenzó como un pequeño proyecto familiar. Las cosas empezaron a funcionar con cierta rapidez y pronto Matt Wachter se unió a la banda como bajista, al igual que Solon Bixler (guitarra) y Kevin Drake (guitarra) harían, aunque la permanencia de éste último sería bastante menor.

Aunque Jared Leto es un conocido actor de Hollywood, prefiere no usar esa información para promocionar la banda; de hecho, el grupo rechazaba tocar en lugares en donde se utilizara su nombre como actor para promocionar el show.

De acuerdo a una entrevista de Virgin Records el nombre de la banda “viene de una tesis que encontramos en la web que estaba escrita por un ex-profesor de Harvard. Y una de las subsecciones de la tesis estaba titulada ‘treinta segundos a marte’ y hablaba sobre el crecimiento de la tecnología que relacionaba a los humanos y decía que estábamos literalmente a treinta segundos de Marte. Lo que significa para nosotros es, pensábamos que describía nuestra música, en pocas palabras”.[6]

El primer álbum de 30 Seconds to Mars (homónimo), producido por Bob Ezrin, fue lanzado en 2002 con buenas críticas, pero sólo alcanzó ventas de un poco más de 100.000 copias. El 29 de enero de 2003, Tomislav Milicevic (Tomo), quien era un fan de la banda, se presentó a unas audiciones para ser el próximo guitarrista de 30 Seconds to Mars, y consiguió su objetivo. El segundo álbum de la banda, “A Beautiful Lie”, fue lanzado el 30 de agosto de 2005. Para este proyecto, la banda viajó durante el curso de tres años a cuatro continentes diferentes, incluyendo cinco países distintos, perfeccionando su sonido y también tomando en cuenta la carrera de actor de Jared. El álbum fue producido por Josh Abraham, cuyos créditos como productor también incluyen a grupos como Orgy, Velvet Revolver, y Linkin Park.
Jared Leto.

Debido a que A Beautiful Lie se filtró cinco meses antes de su lanzamiento, la banda decidió incluir dos “bonus tracks”: “Battle of One” (una canción original que había sido escogida para ser la pista de título del álbum cuando fue anunciado por primera vez) y “Hunter” (un cover de Björk). Para promover el álbum aún más, la banda también incluyó “golden passes” (pases dorados) en un número limitado de copias, los cuales otorgaban entradas a cualquier concierto de 30 Seconds to Mars gratuitamente, con acceso tras bastidores, durante tres años.

El 31 de agosto de 2006, la banda ganó el Premio MTV2 por “The Kill”, una de sus dos nominaciones en los MTV Video Music Awards. La segunda nominación era para Mejor Video Rock; sin embargo, perdieron contra “Miss Murder” de AFI. El video musical para “The Kill” se basa en la película El resplandor. En enero, A Beautiful Lie fue certificado como Disco de Platino por la RIAA por la venta de más de 1.000.000 de álbumes.

En octubre, la banda comenzó su tour “Welcome to the Universe”, patrocinado por MTV2. También fueron acompañados en el tour con distintas bandas, entre ellas Cobra Starship. El 20 de noviembre, MTV2 transmitió el video de “From Yesterday” por primera vez; el video es el primer video musical de rock americano que se filmó enteramente en la República Popular China.[7] El video se basa brevemente en la película El Último Emperador

El 1 de marzo de 2007, el bajista de la banda, Matt Wachter, anunció su fin como parte de la banda en un espectáculo en vivo en El Paso, Texas. Esto fue confirmado el día siguiente con una declaración en su sitio web.[7] Desde entonces fue reemplazado por Tim Kelleher, quien fue visto tocando en los conciertos de la banda. Se desconoce la periodicidad del nuevo bajista. Watcher se unió a Angels and Airwaves.

El 29 de abril de 2007, la banda tocó en los MTV Australia Video Music Awards, donde habían sido nominados para tres premios. Ganaron “Mejor Video Rock” y “Video del Año” por “The Kill”.
30 Seconds to Mars en concierto.

En primavera de 2007 (hemisferio norte), la banda acompaña a Aiden, entre otros, como parte del tour “Taste of Chaos” y arreglaron las fechas en que tocaron en Europa junto a Linkin Park.

Siguiendo el lanzamiento de “From Yesterday” como single, la banda publicó un enlace en su blog de MySpace para votar por el siguiente sencillo de A Beautiful Lie. Las opciones posibles eran “A Beautiful Lie”, “The Fantasy”, “Savior” y “The Story”. El 2 de mayo de 2007, la banda anunció que “A Beautiful Lie” había ganado y que sería su próximo sencillo.

El 8 de agosto de 2007, Kerrang! anunció que 30 Seconds to Mars había sido nominada a dos categorías de los Kerrang! Awards 2007; Mejor Artista nuevo Internacional y Mejor Single para “The Kill”. El 24 de agosto ganaron el premio para ‘Mejor Single’ con The Kill. El otro premio fue perdido ante Madina Lake.

Debido al éxito en los Kerrang! Awards del Reino Unido, la banda re-lanzará el single “The Kill” el 24 de septiembre (2007) en CD y 7″ para intentar mejorar su mejor posición en los conteos británicos – posición #64.

El 18 de octubre de 2007 se presentaron en los Premios MTV (los VMA Latinoamerica) en México D.F., a los que estaban nominados como mejor banda rock internacional, pero finalmente el premio se lo llevó Evanescence. Durante el show, interpretaron “From Yesterday”, donde para el final contaron con la participación de Ely Guerra. Además, presentaron junto a Avril Lavigne el premio al Video del Año.

El 26 de octubre de 2007 ofrecieron un concierto en el Vive Cuervo Salón de la Cd. de México donde un afortunado fan llamado Fernando ganó en un concurso organizado por Animax la oportunidad de subirse al escenario con el grupo y tocar “From Yesterday”. Tomo admitió que Fernando había sido el primer ganador de este tipo de concursos que se sabía la canción.

El 1 de noviembre de 2007, la banda ganó el premio “Rock Out” por The Kill, una de las dos categorías en la que se encontraban nominados en los premios MTV Europe Music Awards.

El 21 de diciembre de 2007, 30 Seconds to Mars ganó el premio Fuse a lo mejor de 2007. Vencieron a Korn y alcanzaron mas de 7 millones de votos. 31 bandas y artistas como Evanescence, Muse y My Chemical Romance también fueron incluidas en el concurso

El 29 de enero de 2008 se estrenó el vídeo de A Beautiful Lie, después de meses de grabación y edición.

El 16 de octubre de 2008 se presentaron en la ciudad de Guadalajara México en los premios mtv 2008 donde ganaron mejor artista rock internacional

Actualmenete la banda esta estrenando el disco This Is War lanzado el 8 de diciembre de 2009 del cual se desprende el primer single “Kings & Queens” que fue lanzado el 6 de Octubre y cuyo video se estrenó el 12 de diciembre de 2009.

Fuente: Wikipedia

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Biografía

Esta banda se inició como un grupo de amigos que se juntaban para tocar sus canciones favoritas, casi todas ellas de Los Ramones y composiciones propias, con el mismo estilo punk y letras con contenidos “proletarios” (obreros de fábricas, trabajadores sacrificados, etc).
Poco a poco fueron incorporando otras influencias: Sex Pistols, Clash, Damned… el punk inglés del ‘77. A mediados de 1987 lograron una presentación en “Metamorfosis”, un pub del Abasto, por el cual desfilaban bluseros y algunos dark. Ocho temas fueron suficientes para que el encargado del lugar los echara, alegando la minoría de edad de Federico.
De vez en cuando los ensayos eran grabados en cassettes convencionales, para repartir entre los amigos. Por casualidad, una copia dio en manos de un integrante del grupo “Descontrol”, que estaba preparando una presentación en Cemento y necesitaba una banda soporte. La aceptación fue inmediata.
En 1988 continuaron presentándose en pubs, hasta que juntaron el dinero suficiente para grabar en un estudio profesional. Registraron algunos temas sin saber que, en la sala de al lado, los responsables del flamante sello “Radio Trípoli” estaban preparando el disco “Invasión 88″, un compilado de grupos punks locales.
Danio y Leiva renunciaron al proyecto y se incorporó Chito De Cecco, baterista de Los Siete Delfines. Ahora como cuarteto (Ciro en bajo, Mariano Martínez en guitarra, Federico Pertusi en voz), grabaron “Dulce Navidad” (1989). El proyecto inicial era grabar un lado del disco en vivo, para rescatar plenamente la energía de la banda, pero finalmente el productor, Michel Peyronel, seleccionó todo material de estudios.
Luego de esta primera placa se produjo el alejamiento definitivo de Federico Pertusi. Ciro, entonces, fue el vocalista (ya había cantado “Sola en la cancha”) y Adrián “Chino” Vera se incorporó como bajista.
Con esta formación editaron el segundo disco, “El cielo puede esperar” (1990), cuyos mejores temas son “Más de un millón” y “Tiempo para estar”. Aunque, sin dudas, el gran impulso hacia la popularidad fue su hit “Hacelo por mí”, cortina del programa homónimo de TV que conducía Mario Pergolini, hecho que incluso los lleva a firmar un gran contrato con una discográfica multinacional.
“Angeles caídos” fue grabado en medio de una gira nacional que abarcó 30 shows en 4 meses. Las letras mantienen la temática de los problemas cotidianos: la falta de trabajo, los jubilados… “queremos que sepan que, si bien ahora estamos teniendo éxito, no nos hemos vuelto insensibles ni nos olvidamos de dónde venimos”. Luciano Scaglione reemplazó a Vera para antes de las presentaciones del disco en Obras.
El éxito dentro del reducido ambiente punk continuó con “Todo está al revés” (1994) y su presentación en Obras. En mayo telonearon a Motorhead en Velez.
En 1995 participaron del álbum “Fuck You”, un homenaje a Sumo, interpretando el tema “Pinini Reggae” y hacia fin de año presentaron “Amén”, su sexto disco. En él, el grupo abandona por momentos el punk-rock para incursionar en el reggae, en “Tres pájaros negros” y “Redemption song”, de Bob Marley.
En mayo y junio del ‘97 compartieron una gira con El Otro Yo por 23 ciudades del interior de Argentina. Festejaron la primera década de vida con dos shows en Cemento, para luego viajar a Estados Unidos a grabar “Un día perfecto”, el noveno disco de la banda. La placa trabaja un poco mejor sobre los arreglos, las voces y los coros, destacados por ellos mismos como los más débiles del grupo.
La gira continuó por la Costa Atlántica en el verano del ‘98, otra vez el Interior y también algunos países de Latinoamérica. Regresaron a Estados Unidos para grabar “Otras canciones”, lanzado en diciembre y consiguiendo vender más de 20.000 copias en diez días.
El nuevo milenio los agarró en gira por la Costa, para luego viajar a España y producir la décima placa “Radio insomnio”, mezclado en Estados Unidos. El 30 de septiembre presentaron el disco en Obras.
Los días 21 y 28 de abril del 2001 graban en Obras lo que sería “Trapos”, el tan reclamado álbum en vivo. La escenografía fue confeccionada con más de cien banderas que mandaron los fanáticos del grupo. El corte difusión fue “Hacelo por mí”.
“Amateur” (2002) es un disco de “rarezas”, con material recopilado, editado y masterizado en el estudio de BMG Argentina.
Los días 18, 19 y 25 de octubre festejaron los 15 años de la banda con tres funciones en el Estadio Obras. Luego de la presentación y un video que repasó la historia del grupo con la voz en off de Marcelo Araujo, la banda fue tocando temas de sus diferentes discos, en algunos casos a solas y en otros acompañados de músicos invitados.
“Antihumano” es el décimo disco de estudio de Attaque 77, con invitados tan disímiles como Gustavo Cordera, Alfredo Casero, Mimi Maura o Juanchi Baleirón, entre otros. La producción estuvo a cargo de Mariano Martínez y el arte del disco es obra de Rocambole, el artista creador de la imagen de los Redonditos de Ricota.
Para finales de 2006 las ansias de los fanáticos por escuchar nuevas canciones de A77aque culminan, ya que la banda lanza un EP con tres canciones bajo el titulo “Pirotecnia autorizada”, como adelanto de su próxima placa. Entre los temas se encuentran el primer sencillo “sexismo”, “las garrapatas” y “lleno de vida”.
En marzo de 2007 finalmente se edita “Karmagedon”, 17 nuevas canciones cuya lírica de corte social abundan y prevalecen como un discurso que forma parte de sus raíces, las mismas que acompañan los estilos de rock y especialmente punk.
El 18 de marzo de 2009, un comunicado emitido por su discográfica anunció el alejamiento de Ciro Pertusi, quien fuera guitarrista y vocalista durante más de 20 años. La separación se realizó en buenos términos, a pesar de que algunos rumores indicaron que hubo discusiones con el guitarrista Mariano Martínez, quien pasó a ocupar el lugar de vocalista. Su primer lanzamiento como trío es “Estallar”, décimo disco de estudio que cuenta con 15 nuevos temas y la canción “Días de desempleo” como primer sencillo. Mediante un concurso, los fans pudieron realizar una re-mezcla del primer corte, y la mejor versión se incluyó en el CD. El ganador resulto ser Cristian Lagos, quien puede tener el orgullo de que su canción forme parte del tracklist de “Estallar”.
La placa fue grabada y mezclada en el Estudio “Tierra de Nadie” en Córdoba, durante gran parte de 2009, y fue producido artísticamente por el guitarrista y ahora vocalista Mariano Martínez.

fuente: Itematika

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	Cantante, compositor y guitarrista que, tras integrar el grupo Saloma, comenzó su carrera solista. En 1980 grabó su primer disco, de inclinaciones folklóricas y tangueras, que fue editado recién dos años después, con la participación de Silvio Rodríguez y Litto Nebbia.
	Aerosmith es una legendaria banda de rock formada en Estados Unidos. Fue creada a principios de los 70 por Steven Tyler (voz, teclado y armónica), Joe Perry (guitarra y coros), Brad Whitford (guitarra), Tom Hamilton (bajo) y Joey Kramer (batería).
	Arctic Monkeys es una banda inglesa de indie rock proveniente de High Green, un suburbio en las afueras de Sheffield, Inglaterra. Formada en 2002, la banda actualmente está compuesta por el guitarrista principal y vocalista Alex Turner, el guitarrista Jamie Cook, el bateria Matt Helders y Nick O’Malley en el bajo, una posición anteriormente ocupada por Andy Nicholson.

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La inuaguración del complejo deportivo, educativo, social y cultural, que será casa del equipo Santos Laguna de la Primera Divsión dell futbol mexicano, mostrará su capacidad no sólo para eventos deportivos, sino también grandes espectáculos.

Con un nerviosismo anticipado y su regreso musical al pisar el escenario circular en el centro del Territorio Santos Modelo, Ricky Martin salió a las 19:26 horas con los acordes del tema “Pégate” y de inmediato cimbró a la nueva casa de los Guerreros del Santos Laguna.

Vestido con playera negra, suéter negro y unos pantalones del mismo color, el boricua emocionó a hombres y mujeres al unísono. La temperatura aproximada era de 17 grados centígrados.

En el escenario circular que lucía impactante lo acompañaban 10 coristas y 10 músicos reconocidos internacionalmente. Los aplausos y vitoreos no se hicieron esperar.

El momento histórico no había llegado.

“¿Qué pasa México?!”, gritó el artista , mientras que su grupo de bailarines y coristas bailaban alrededor.

Al ritmo de “Por arriba, por abajo”, la música invitaba a levantarse de sus asientos y comenzar a bailar. Ricky Martin hacía de esta noche, una verdadera “Bomba”.

Ricky Martin en Torreon

“Que se sienta mi gente”. Luego con el glamour que lo caracteriza, el cantante se puso un sombrero negro para interpretar la canción “Dance with me tonight” y nuevamente la euforia se desbordaba en el lugar. La emoción era evidente, muchos no lo podían creer. Luego dijo “Que se paren, que se sienta. Estamos celebrando la unión de varios pueblos. Que se sienta la fuerza, la fuerza mexicana llena de calor”.

A la mitad de la segunda canción se despojó de su camisa y quedó con los brazos descubiertos. Con sonidos hindúes presentó “Que más da” y apareció con un pareo rojo y sensuales movimientos de cadera.

Al terminar esta canción, desapareció del escenario, las luces se tornaron en azul, creando así un ambiente romántico y apareció vestido de blanco para interpretar “Vuelve” que era cantada al unísono por los asistentes. Siguieron los temas “Fuego de noche, nieve de día” y “Tu recuerdo”.

Ricky Martin

“Muy buenas noches a todos, es un honor. Es una noche mágica, esta noche dejo mi alma en esta tierra. ¿Están listos para bailar? ¿Si o no? Y así dio paso a “Livin la vida loca”, durante esta canción, una bailarina realizaba una intensa coreografía y se escuchó de pronto “Sabes Latinoamérica, tu sabes” y entonces siguió “Pegado ahí”.
Tres saxofonistas lo acompañaban y Ricky Martin los presentó como la “música de Puerto Rico con amor” para continuar con “La bomba” y puso a México a bailar.

“¿Qué pasa Torreón? Te siento”, precisó.

El sabor latino estaba presente con la mezcla de ritmos. De ahí, ahora sí el tema “Por arriba, por abajo” se escuchaba en todo el estadio. Todos bailaban y alzaban los brazos.

Para que todos participaran en este espectáculo, dividió al estadio en dos partes e hizo que de izquierda a derecha hicieran una coreografía y viceversa.

Así todos brincaron y bailaron. Solo bastó su aprobación con el pulgar para meterse al TSM al bolsillo. Después los invitó a cantar “María” en espanglish con una combinación de capoeira y baile ante los gritos eufóricos.

Y como era de esperarse, “La copa de la vida” unió a la música y el deporte. Era la más esperada y así, tomando un suéter gris e integrándose a la coreografía de sus bailarines, se despidió no sin antes agradecer a sus músicos de diferentes países. “Gracias mi gente, que Dios los bendiga. Hasta la próxima, los quiero”. El concierto dio fin alrededor de las 20:16 horas.

Mexico 11.11.09 inauguracion Estadio en Torreon

Luego en su Twitter publicó:

ricky_martin

” de vuelta en el hotel,listo para ver el partido.el show fue increible.cm siempre 1 publico maravilloso n Mexico.Que fuerza! Gracias Torreon”

AGRADECEMOS AL CLUB DE FANS: RMIFC JPUS ARGENTINA POR LAS FOTOS